Jazzeando sin Límites

Porgy & Bess

2012-01-31T19:52:00.000-08:00

Begin the Beguine

2012-01-11T22:39:00.000-08:00

¿Porqué Cole Porter, nacido hace ya casi 121 años , educado en Harvard (leyes y música…por separado) gracias al abuelo billonario, sigue tan vivo como cuando compuso y puso letra -en 1935- al célebre tema inspirado en una danza india, seis meses después de que en habituales prácticas de equitación su caballo le quebrara las piernas, perdiendo la izquierda?.
Para sus más ardientes aficionados, Porter, quien murió en 1964, no era -mejor dicho, no es- sólo un gran compositor y letrista de teatro, sino un compañero del alma con un conocimiento especial del éxtasis y absurdidad del amor romántico y la sátira de la alta sociedad. Porter el atormentado amante (“the lovely”), el abastecedor de pirotecnia verbal. El familiar y oscuro Cole que prevalece en infinidad de versiones, sean pop, rock, rap o lo que se antoje. Un nombre sinónimo de temas de amor ultra sofisticado como:

Melodías que examinan la pasión con ojo de relojero y sardónica e incisiva agudeza, y que sumadas a muchas otras de su peculio darían para una maratón de 14 horas.

Holly

2011-12-22T20:39:00.000-08:00

Para desearles una !!Feliz Navidad¡¡ y un ¡Buen año nuevo!! he escogido unas melodías de la vocalista y pianista canadiense Holly Cole, nacida precisamente a la entrada del año 1963, en el frío Halifax en Nueva Escocia. Aunque el Jazz es, digamos, su lengua materna, Holly es una de esas artistas que puede entrar en cualquier categoría musical, pero posee un humor irónico y a la vez cándido cuando de darle nueva forma a estándares tradicionales y clásicas del pop se trata.

Rodeada por la música desde su nacimiento pues sus padres eran músicos clásicos, Holly se convirtió en maestra de piano y realizó estudios profesionales de canto. Su hermano que estudiaba en “Berkelee College of Music” de Boston y era un apasionado del Jazz de posguerra, la invitó el verano de 1980 a una estadía de 8 semanas durante las cuales tocó con su grupo y encontró el verdadero llamado musical. En 1983, deja su pequeño pueblo natal y se traslada a Toronto donde forma su trío con el que llegó a ser muy popular en el circuito jazzístico de la gran ciudad. Allí graban su primer álbum el otoño de 1981, el EP “Christmas Blues”.

+ Jobim Jazz

2011-12-06T19:18:00.000-08:00

Nacido en Rio de Janeiro en 1957, el compositor y arreglista Mario Adnet inició estudios de guitarra a los 9 años y ya en 1974 se le ve participando en festivales y clubes. Inicia estudios de teoría musical que continúa en EE.UU., donde se gradúa. En 1980, lanza su primer Lp a dúo con el compositor y pianista Alberto Rosenbli y como invitado especial el gran guitarrista Toninho Horta. Graba en 1984 el álbum "Planerta Azul", pero solo consigue reconocimiento internacional hasta 1990, grabando composiciones con la cantante Joice, el Trío Da Paz y Lisa Ono.

En 2006 se embarca en una aventura musical de cuatro proyectos sobre la música en Brasil, empezando con el álbum "From the Heart" y finalizando en 2007 con el álbum "Jobim Jazz", celebrando el 80 aniversario del fallecido maestro. No conforme con el homenaje, el presente año lanza "More Jobim Jazz" con excelentes arreglos de intemporales melodías de Jobim como "Quebra Pedra" (a.k.a. "Stone Flower") con un encantador sabor bahiano. Una curiosidad es "Tema Jazz (Jazz Theme)," que según Adnet es "la única cita explícita del género en el trabajo de Antonio Carlos Brasileiro Jobim".

The last King

2011-11-19T20:39:00.000-08:00

Tres meses antes de ser asesinado, el saxofonista (tenor y alto) King Curtis (1934-1971) grabó durante el Festival de Jazz de Montreux media docena de blues, junto al pianista y vocalista Champion Jack Dupree (1909-1992). Ambos encontraron un terreno común en el blues, a pesar de las críticas que por esos años se hacian a King por haberse desviado al R&B y luego al Rock & Roll. El ya por entonces veterano Dupree, luce genial contando sus placeres en su clásica "Junkers Blues" con una vocalización de irregular duración que mantiene a su socio permanentemente en vilo. Una pena que fuese su última grabación. Mucho de su estilo impregnó a los buenos saxos del rock que siguieron. Acompañan, el guitarrista Cornell Dupree, el bajista Jerry Jemmott y el baterista Oliver Jackson.

Ben

2011-11-07T20:15:00.000-08:00

El saxofonista Benjamin Francis Webster (Kansas City 1909-Amsterdan 1973) es considerado uno de los tres grandes tenores del swing, junto con Coleman Hawkins (su principal influencia) y Lester Young. De Ben se ha dicho ya casi todo y en esta oportunidad solamente quiero referirme a su álbum "King of the Tenors" (Verve, 1956), como uno de esos que puede escucharse con frecuencia de un tirón, varias veces, en toda la extensión de sus 10 cortas baladas (11 si se tiene el compacto que incluye como bono la versión sencilla de "That's all"); es más, siendo exigentes, pueden seleccionarse sin temor a equivocarse, tres de ellas, como muestra del profundo,carrasposo y a veces brutal tono que lo caracterizó. Lo acompañan en esta aventura, perlas como Oscar Peterson (piano), Benny Carter (saxo alto), Harry "sweets" Edison (trompeta), Ray Brown (bajo) y los guitarristas Barney Kessel y Herb Ellis. Frescura y vitalidad increibles en esta producción de Norman Granz, a pesar de haber ya trascurrido más de 5 décadas.

Swing.

2011-10-26T22:09:00.000-07:00

En este compacto de 1997 (Atlantic), el grupo vocal The Manhattan Transfer revisita canciones de la era del swing, en algunos casos recreando (a través del vocalese) grabaciones específicas como el "Moten´s swing" (1932) de Bennie Moten, "Skyliner" de Charlie Barnett y "Clouds" de Hendricks, en la que hace una aparición especial Stephane Grappelli. Las vocalistas son de primera, a pesar que no tienen mucha chance de improvisar dentro del estilo.

Las cacerolas de Andy.

2011-10-06T18:33:00.000-07:00

Conocido como “Steel Pan”, este tambor de acero se dice es el único instrumento acústico inventado en el siglo XX. Los músicos de las islas del Caribe (particularmente de Trinidad y Tobago), que no pueden tener un objeto a mano sin tratar de sacarle ritmo, empezaron experimentado con las rústicas baterías de cocina del hogar como una forma de halago a los guisos de sus mujeres. En la pos gran guerra, la industria del refinado petrolero allegó a la isla los barriles de 55 galones en los que se tranportaba al principio el combustible.

Debidamente adaptados, estos toneles o grandes cubas (cubatazas), terminaron acompañando nuevos ritmos musicales como el Calipso o el Regae. El instrumento evolucionó y a mediados de 1980 el tecladista y percucionista Andy Narell (NY-1956) lo incorporó al Jazz.

En 2004, Andy lanzó el álbum "Fire in the Engine Room" ( festejando al instrumento) cuyo título explica el concepto de la grabación: presentar su interacción magistral con el “cuarto de ingeniería”, definido como la sección de ritmos de una banda de aceros. Aquí, tonadas como la que sigue, capturan la clase de festividad islánica por la cual Narell es ya famoso.

Un blues famoso.

2011-09-21T21:05:00.000-07:00

Cuando se trata de standards escritas antes de 1920 (El período temprano del Jazz), ninguna ha disfrutado más grabaciones de los artistas del género que la clásica de W.C. Handy “St. Louis Blues”. Considerado el blues más famoso y la composición más grabada de todos los tiempos desde 1930 hasta que “Star Dust” le quitó el título, veinte años después. Cuenta Handy en su autobiografía “Father of the Blues”, que luego de ser estafado por unos publicadores a quienes, dada la precariedad de sus finanzas, vendió por cincuenta dólares los derechos de su “Memphis Blues” en 1912, se decidió a crear un éxito que lo compensara. Así, en un cuarto rentado en la calle Beale de San Luis Missouri, nació en 1914 el famoso blues. Dice W.C. “Una correntada de recuerdos llenaron mi mente. Primero estaba el retrato que tenía de mí mismo, quebrado sin rasurar, deseando siempre una comida decente, parado frente al iluminado “saloon” sin camisa bajo el raído abrigo”.

No obstante que “St, Louis” electrificó a los bailadores, el éxito no fue inmediato. Al no poder encontrar editor musical, formó con un colaborador “Pace and Handy Music Company” para publicarla. Las ventas de las hojas musicales fueron moderadas. La canción se empezó a cantar en boudeville y teatro. Scott Joplin la versionó al Ragtime.

La popularidad que llegó a alcanzar este blues no estuvo restringida a EE.UU. David Ewen comenta en su libro “Great Men of American Popular Song” que el príncipe Jorge de Inglaterra y Marina de Grecia la bailaron en la ceremonia nupcial y que Etiopía la usó como canción de guerra durante la invasión italiana en 1930, año en que grandes del Jazz comenzaron a versionarla.

Me electrificó por primera vez a finales de los 70’s, con el cuarteto de Dave Brubeck (Paul Desmond incluido), en la grabación del “Live at Carnegie Hall”, versión que sigue siendo mi favorita.

Eddie.

2011-09-08T21:10:00.000-07:00

Uno de estos días veía en la prensa el anuncio de la próxima presentación en el auditorio de una universidad local, del pianista nuevayorkino Eddie Palmieri y su big band. Eddie es uno de los mejores pianistas del jazz latino de la segunda mitad del siglo pasado y algunos le atribuyen la paternidad del sonido que fuera conocido como “Salsa de Nueva York”. Empezó a estudiar piano clásico a los 8 años y pronto lo alcanzaron las influencias jazzísticas de pianistas como Monk, Hancock y McCoy Tyner, y con una técnica sobresaliente comenzó a experimentar fusiones en el contexto latino.

A mediados de los sesentas, el vibrafonista Cal Tjader en una de sus visitas a la gran manzana, escuchó a Palmieri y su conjuto de entonces, La Perfecta, actuando en el Cheetah Club. Con un “give your band the whole shit”, le propuso que grabaran juntos. En seguida se cerró el trato entre Morris Levy propietario del sello de Eddie (“Tico Records”) y Creed Taylor de” MGM/Verve”, sello de Cal. Como resultado, quedaron dos buenos álbumes: “El sonido nuevo” y “Bamboleate”. De este último incluyo un par de melodías, para los que no puedan permitirse gastar en el concierto que, a sus 75 años dará el maestro y su grupo.

Caminando

2011-08-29T22:03:00.000-07:00

Sola

2011-08-22T20:19:00.000-07:00

Para muchos, la pianista y compositora de jazz Jessica Williams (1948) está un poquitin sub valorada debido a su establecimiento en el norte de California y no en Nueva York, Chicago o al menos Los Angeles; aunque no deja dudas en cuanto a ser una de las mejores pianistas actuales con su poderoso virtuosismo, por su completo control del teclado, sólido sentido del swing y la influencia innecesariamente confesada de Tatum y Errol. Una vida dedicada al piano, casi desde su nacimiento en Baltimore, Jessica alternó, temprano en su carrera con músicos de la talla de Jo Jones y Mingus con desapariciones prolongadas de la escena para realmente despegar en los 90's. "All Alone", grabado en 2003 (WaxJazz) es uno de sus más finos esfuerzos, especialmente con sus refrescantes versiones de viejas estándares. Para quienes no puedan permitirse un íntimo recital privado de Jessica, este compacto surtirá el mismo efecto.

Benson

2011-07-02T21:26:00.000-07:00

Mixtura de jazz puro y duro, "back to basics" y soul grooving, este álbum producido en 1966 por John Hammond y reeditado en 2001 por Columbia/Legacy, nos recuerda al guitarrista George Benson (1943) que a todos los amantes del jazz gustaba. Lo acompañan: Lonnie Smith (órgano), Jimmy Lovelace (batería), Bennie Green (trombón), King Curtis (saxo tenor) y Blue Mitchell (trompeta).

"Fragile"

2011-06-28T21:01:00.000-07:00

Continuando con el proceso de mudanza, esta noche le tocó turno al empaque de cristalería. Uff.. no es mucho pero con el correr de los años se van acumulando cosas de mucho valor sentimental y muy frágiles, como esta melodía del trompetista Enrico Rava (Trieste, 1939) del álbum "Tati" (EMI, 2005) con acompañamiento de su paisano pianista Stefano Bollani y del experimentado y colorido baterista Paul Motian, sobreviviente del trio de Bill Evans con el recordado contrabajista LaFaro.

Sin nombre propio.

2011-06-25T08:44:00.000-07:00

Autoretrato

Recién me entero del fallecimiento el martes ( 83 años) del actor Peter Falk, quien dió vida al detective Columbo de la serie de televisión del mismo nombre, que paradójicamente no lo tuvo –se especuló que alguna vez en un capítulo, susurró Frank-y que al ser preguntado al respecto siempre respondió: “Lieutenant”. Con el tiempo, el señor Falk y Columbo llegarían a ser –más o menos- referencias culturales intercambiables como, se me ocurre, el cantante Tom Waits. En la excelente película “Wings of desire” (alas del deseo, 1987), actúa él mismo contemplando su vida de actor.

Quienes siguieron la serie, lo recordarán metiendo la mano en el bolsillo de su arrugado sobretodo –de su propio guardarropa cuando era un eficiente empleado de la oficina de presupuesto de Connecticut- , buscando su libreta de apuntes, o haciendo despistado la pregunta clave “one more question” con una penetrante mirada de su ojo de vidrio (implantado cuando tenía 3 años por un problema visual) sobre el que solía bromear contando que durante un partido de baseball se lo quito para prenderlo de la solapa del umpire advirtiéndole “lo harás mejor con esto”; y luego subiendo a su destartalado descapotable Peugeot con la llanta pache, escogido por él mismo porque hacía juego con el sobretodo. Incluso la canción favorita de Columbo “This old man” que parecía correr a través de su mente (y la serie) como disco rayado, fue una de las que el señor Falk amó desde su niñez. Los musicales tampoco fueron ajenos a su carrera actuando junto al “rat pack” en Robin y los 7 Hoods.

Todo los casos –normalmente asesinatos en familias de alta renta- resueltos en el mismo capítulo por este peculiar subteniente del departamento de policía de Los Angeles atacado sus últimos años por la demencia.

Toots

2011-06-23T21:01:00.000-07:00

Toots Thielemans (1922) introductor de la armónica cromática como instrumento de jazz parece no tener competidores desde 1950. Empezó a los tres años tocando el acordión, pero su reputación inicial se la ganó como guitarrista influenciado por Django Reinhardt, terminando con la armónica a los 17. Limpiando closets encontré este blues.

No se cuanto más durará esta mudanza.

Hubo un lugar.

2011-06-18T22:31:00.000-07:00

Una revista -acompañada de un disco compacto compilatorio- que presume de representar la nueva cultura del Jazz. Uno de ellos aparece misteriosamente en un resquicio del archivo que limpio. No puedo más; 72 ejemplares religiosamente adquiridos cada mes posarán coquetos en la estantería de algún lugar de viejo un dia de estos, lluvioso y húmedo. En el lugar adonde voy ya no caben.
http://www.goear.com/listen/eb62d0c/hubo-un-lugar-jerry-gonzales

Mudanza silenciosa.

2011-06-12T22:28:00.000-07:00

Preparación

Compilación Prestige Records, junio 2008, grabaciones en Roma, Julio 9, 1955 - Octubre 26, 1956. Intimo, agridulce, cerebral, reflexivo, romántico (sobre todo) after hours... tic tac, el reloj musical 1960 (circa).

Cohan.

2011-06-05T12:25:00.000-07:00

Un maestro tanto de lo acústico como de lo eléctrico, el pianista Ryan Cohan ha hecho lo mejor como compositor. Ganador de una beca para estudiar composición en el "Illinois Arts Council", el año 2000, Cohan es más conocido por su involucramiento con el pianista de Jazz y líder de banda Ramsey Lewis, quien ha grabado 10 de sus melodías y dice de él que: "es más de la escuela de Bud Powell y Chick Corea, mientras que yo soy más de la (escuela) de Nat Cole, Earl Hines y Teddy Wilson. Y sin embargo, trabajamos muy bien juntos".

Ryan -alto como un rascacielos- gusta tocar en solitario melodías del bajito gran pianista y florido compositor Billy Strayhorn. Con su cuarteto basado en Chicago salió de gira por Rusia en 2009, llenando las salas de la Sociedad Filarmónica de Minsk; de la Escuela de Música de Obninsk y el Goodwin Blues Club. A este último concierto corresponde el tercer video, filmado por la "Public Affairs Section of the U.S. Embassy in Belarus", que muestra a los miembros del cuarteto en pleno "jammin'" con jazzistas locales.

Charles Lloyd.

2011-05-28T21:01:00.000-07:00

El saxofonista Charles Lloyd, adelantado y cerebral músico cuyos talentos improvisatorios le permitieron establecerse en los 60’s y 70’s como una de las figuras claves en el desarrollo de la fusión y la “Word music”, nació (1938) y creció en Memphis rodeado del vibrante escenario del blues y del jazz de dicha ciudad. Recibió su primer saxo a la edad de 9 años pero estudió eventualmente piano con el legendario Phineas Newborn y tuvo como compañero de escuela y mejor amigo al trompetista Booker Little, alternando desde temprana edad con artistas como el saxofonista George Coleman y futuros íconos del jazz como B.B. King y otros.

En 1956, Lloyd dejó Memphis y se enlistó en la Universidad del Sur de California para estudiar música clásica, obteniendo una maestría en música. Durante este tiempo toco en Los Angeles junto a la flor y nata de jazz avant garde, entre otros los saxofonistas Ornette Coleman y Eric Dolphy , así como el vibrafonista Bobby Hutcherson. También fue miembro de la gran banda de Gerald Wilson. En 1960, Lloyd se unió al ensamble del baterista Chico Hamilton como director musical, donde escribió y arregló la mayor parte la música, incluído su gran exito "Forest flower".

A mediados de los 60’s se traslado a Nueva York donde contacto a luminarias del jazz como: John Coltrane, Miles Davis, Coleman Hawkins, Mingus y Cannonball Adderley a cuyo grupo se unió. En 1965 formó su propio cuarteto con el pianista Keith Jarrett, el baterista Jack DeJohnette y el bajista Cecil McBee. Un ensamble extremadamente intuitivo y creativo.

En los 70’s permaneció fuera del mundo musical, hasta 1981 cuando conoció a un talentoso pianista francés de 18 años: Michel Petrucciani, con quien grabó varios álbumes.

En 2008 reapareció con un nuevo cuarteto Jason Moran y el directo “Rabo de Nube”. En 2010, a sus 72 años y el mismo grupo: Jason Moran (piano), Reuben Rogers (bajo) y Eric Harland (Batería), graba “Mirror”, conceptualizado según sus palabras “como una imagen al espejo del anterior”.

Ramsey

2011-05-22T18:07:00.000-07:00

A sus 21 años, en 1956, el pianista de Jazz Ramsey Lewis formó un trío con Eldee Young al bajo y Red Holt a la batería. Desde entonces ha cabalgado en los límites entre el bop y el pop. La mayoría de sus grabaciones (particularmente las de mediados de los sesentas) fueron muy accesibles y atrajeron una gran audiencia no jazzística. Sin duda, esto influyó para que asombrosamente, grabara seis álbumes en 1964, cuando no era común que un músico grabara más de uno al año. En 1965, grabó “The In Crowd” y “Hang On, Ramsey” que lo consolidaron como un pianista muy atractivo, y de ahí en adelante sus discos se volvieron mucho más predecibles y orientados al pop, y el trío se volvió cuarteto.

Bob Marley

2011-05-11T13:16:00.000-07:00

Cuenta Mario Vargas Llosa en un artículo de prensa, que ante el irresistible avance de las fuerzas de Cronwell que invadieron Jamaica en 1665, los colonos españoles libertaron a sus 1,500 esclavos, que se esfumaron entre los montes y que reaparecieron en los siglos sucesivos con el nombre "maroons" (cimarrones)y una aureola indómita. Dentro de esta bravía estirpe, nació Marcos Garvey, apostol de la "negritud" y del retorno de los negros de America al Africa, sin quien, el culto Rastafari no hubiera trscendido fuera de las fronteras jamaiquinas, y sin cuya prédica no estaríamos hoy, recordando un año más de la muerte (1981) de Robert Nesta Marley. Algo que prefirió a los 36 años, antes que permitir la amputación de un dedo del pie, roído por el cancer, porque su religión se lo prohibía.

Murió riquísimo, con unos 30 millones de dólares, que son poco comparados con los que hoy gana cualquier cancionista de mediana estofa. Recordémosle con lo que disfrutó: explorando una canción en el rasqueo de su guitarra y el selvático lamento de su voz, envuelto en la nube de humo de su cigarro de "ganja".

¿James Zollar?

2011-05-06T20:15:00.000-07:00

En el ancho mundo del Jazz, parece válido preguntarse ¿Quién es este Zollar?, trompetista que a pesar de llevar más de 20 años -que tampoco son nada, es cierto- trabajando en Nueva York, no ha llegado a ser un nombre familiar. A pesar también, de que en 1996, con su álbum "Soaring with Bird" (Naxos), un homenaje a Charlie Parker, de cuya música es un confeso estudioso, dejó claro que no es un don nadie (de hecho, acompaño al virtuoso clarinetista Don Byron en su álbum "Bug music).

Es probable que se haya cruzado con el sin conocerlo, como en la película Kansas City (lugar donde nació, igual que Robert Altman el director) o con lo que queda de la orquesta de Count Basie, o acompañando a músicos más conocidos.

En 2009, este eterno acompañante, publicó su segundo álbum "Zollar System".

Dedicado a Connie

2011-04-30T22:04:00.000-07:00

Conrad Henry Kirnon (1927-1994) más conocido como Connie Kay, fuera de dos meses de cuarenta años (incluyendo siete años en los cuales el grupo estuvo de "vacaciones") fue el baterista y percusionista del "Modern Jazz Quartet". Sus sutiles contribuciones (mostrando contenimiento y swing) fueron un invaluable activo del grupo.

Este álbum de dos compactos fue publicado en 1995, luego de su fallecimiento. Es una super conmemoración del MJQ en el pico de su creatividad, un concierto de 1960 en Ljubljana, Slovenia, de la misma gira que produjo el igualmente memorable "European Concert". En el video, una clásica estándar de Hammerstein II.

Personal:
Milt Jackson – vibraphone
John Lewis - piano
Percy Heath - bass
Connie Kay - Drums

James Newton

2011-04-26T19:16:00.000-07:00

El flautista James Newton (California, 1953) es completamente un artista contemporáneo, creador de álbumes elegantes y algunas veces excéntricos que reflejan una amplia variedad de influencias, tanto del jazz como de lo clásico. Su trabajo como flautista es de altos recursos -efectos de pájaro y líneas simultaneas vocal/flauta entre otros-; mientras que como compositor, Newton ha encontrado manantiales de inspiración en Coltrane, Mingus y Ellington (de este último transformo su música en el aventuroso álbum "The African Flower"). En 1990 publico también un libro: "Improvising Flute".

Posibilidades.

2011-04-10T00:04:00.000-07:00

Herbert Jeffrey Hancock (Chicago, 12 de abril de 1940), conocido como Herbie Hancock, es un pianista, teclista y compositor estadounidense de jazz. Se trata de una de las figuras que más opiniones encontradas suscita dentro del jazz contemporáneo. Es un artista inquieto estilísticamente que se ha dejado influir por casi todas las tendencias musicales de la segunda mitad del siglo XX. No obstante, el estilo pianístico y de teclado de Hancock son completamente suyos, con su propios rasgos armónicos urbanos y complejos, y sus ritmos particulares. Habiendo estudiado ingeniería, Hancock estuvo siempre perfectamente preparado para la era electrónica: fue uno de los primeros maestros en el piano eléctrico Rhodes y en el clavinet Hohner. En todo caso, el piano ha sido siempre su instrumento preferido.

Despegó – valga la redundancia- con el disco “Taking off (1962),que incluía como primer corte “Watermelon man”. Dos años más tarde, en “Empyrean Isles” incluía “Cantaloupe Island”, que arrasaría en las emisoras de rhythm and blues con la versión de Mongo Santamaría; y sólo un año después “Maiden Voyage”, composición que nombraba el álbum y complementaría un trío que puede incluirse entre las composiciones más populares de la historia del jazz.

Suficiente. Pero Herbie, quien aprendió a tocar el piano a la edad de siete años y pronto se convirtió en un prodigio, tocando como solista el primer movimiento de un concierto para piano de Wolfgang Amadeus Mozart a los once años con la Orquesta Sinfónica de Chicago, y que desde despúes del despegue , se había unido a Miles Davis cuandó este se lo pidió para las sesiones de Seven Steps to Heaven, quedándose con él durante cinco años, perdió así parte de su estilo a favor de una absorción de las directrices musicales de Davis. Para bien o para mal, siguió adelante. Herbie ha reconocido a Miles como su músico preferido porque defendía el principio básico del jazz que consiste en tocar el momento no el pasado.

Excepto free jazz, ha tocado prácticamente todos los estilos jazzísticos surgidos tras el bebop: hard bop, fusión, jazz modal, funk jazz, jazz electrónico, etc.; aterrizando en 2005 con el disco “Possibilities”, en el que se aproxima también a la música de baile. En esta aventura de diez pistas, el incansable pianista, compositor y arreglista se acompaño – literalmente de docenas de artistas, desde la cantante pop Cristina Aguilera y Sting a leyendas del rock como Santana y Paul Simon, incluyendo a Stevie Wonder que toca la armónica solo, en el cover de su "I Just Called to Say I Love You".

Mal

2011-03-28T19:51:00.000-07:00

Siguiendo sus sueño de llegar a ser pianista de primer orden en su era, Malcom Earl Waldron (Nueva York, 1926) acompaño con su talento musical a luminarias del Jazz como Billie Holiday y John Coltrane. Graduado del Queens College con un B.A. en composición antes de grabar sus trabajos más tempranos con Ike Quebec en 1950 e involucrarse en el famoso taller de jazz de Charles Mingus en 1954, los años subsecuentes lo encontrarían acompañando a una Billie próxima al final. El políglota y elegante pianista -francés, alemán, italiano, y japonés-, fue a vivir a Europa en 1965, donde logró creciente popularidad (su "soul Eyes" se convirtió rapidamente en una standard). Un diciembre 2del 2002 murió en Brucelas debido a complicaciones derivadas del cancer.

Aunque entre sus habilidades linguisticas no figuró el idioma español, el alemán Manfred Eicher grabó y produjo este vinyl para ECM en 1970. El álbum fue recogido y editado solamente para el mercado japonés por la subsidiaria JVC Globe. A pesar de su importancia, el álbum nunca ha visto una reedición en ningún formato y es por lo tanto muy difícil de conseguir. Contiene cuatro largas composiciones de Mal y esta versión de Eleanor Rigby que fue la única que logré subir en goear. Espero se escuche.

Un pianista del Delta.

2011-03-23T20:23:00.000-07:00

El pianista Willie “Pinetop” Perkins, uno de los últimos grandes “buesmen” del Mississippi, falleció ayer a los 97 años. Hasta el día de su muerte, Perkins hizo lo que más le gustaba en la vida: tocar el piano, algo que seguía haciendo y tenía, incluso, galas previstas esta primavera. Empezó a tocar blues a finales de los 1920s y forjó un estilo que influenció a tres generaciones de pianistas del blues, una suerte de vara por la que son medidos. Pinetop comenzó tocando guitarra y piano en fiestas hogareñas pero dejó el primer instrumento en 1940 después de una herida seria en su brazo izquierdo. Trabajó en el delta del famoso río durante los 1930s y 40s. No obstante que disfrutó del éxito como solista desde 1980, Pinetop es conocido por ocupar la silla del piano en la gran banda de Muddy Waters por doce años durante el pináculo de la carrera de Muddy a través de los 70s. Descanse en paz.

Nippon Soul

2011-03-18T20:20:00.000-07:00

Grabado directo en Tokio ( julio, 1963), este album no es la fusion jazz asiática sugerida por su título, sino un sólido conjunto de piezas que contienen uno de los más finos grupos de Cannonball, el sexteto compuesto por: Nat Adderley (trompeta), Sam Jones (bajo), Louis Hayes (bateria), Joe Zawinul (piano) y Youssef Lateef con un extraordinario solo de oboe (instrumento raro en el Jazz) en la pieza central “Brother John (por Coltrane). Zawinul arregló las estándares para el grupo, convirtiendo - nunca mejor dicho- “Come Sunday” de Ellington a un completo estilo “godspell”.

Hikari

2011-03-12T19:58:00.000-08:00

Mientras el mundo del Jazz actual ha presentado un buen número de mujeres pianistas, especialmente en Japón, ha habido pocas trompetistas. Hikari Ichihara es talvéz la única. Ha iniciado con el idioma del “Jazz pop crossover” grabando en Nueva York, pero existe la impresión general que está buscando un sonido particular que no llega lograr. Personalmente le siento un sentido de madurez y un fuerte “feeling” de seguridad e individualidad. Escuchémosla.

Sammy y Jule

2011-03-05T19:08:00.000-08:00

Sammy Cahn y Jule Styne (letrista y compositor) conocida y genial pareja que legó a la música (en 1947 ) la inolvidable melodía “Time After Time” y otras como "I'll walk alone" para la película "Follow the boys". Time after fue escrita para la película “It happened in Brooklyn” protagonizada por Sinatra. Ambos, un jovencito ojos azules y Kathryn Grayson interpretan el número. En un contexto jazzístico se considera que la versión de Chet Baker es quizás la definitiva. "Sigan a los muchachos" fue muy popular como "Detrás del amor" a principios de los años 60s, cantada por Connie Francis.

Así llueva o brille el sol.

2011-02-24T20:00:00.000-08:00

“Come Rain or Come Shine”, es la melodía central en el musical “St. Louis Woman” estrenado en el Broadway de 1946, con música de Harold Arlen y letra de Johnny Mercer y ambientado en el Missouri de 1898. Se dice que mientras muchos de los grandes compositores usaban notas repetidas como un medio para crear tensión y enfatizar armonías, Arlen, como regla, no era uno de ellos , sin embargo, esta pieza no sólo es una rara excepción sino que podría muy bien ser la campeona de las notas repetidas entre las jazz estándares del tope. La historia revolotea alrededor de una mujer que quiere romper su relación con el propietario de un club nocturno al haberse enamorado de un Jockey ganador (los pequeños jinetes eran apetecidos por aquellos días). El show duró solamente 113 presentaciones en cartelera. Al querer ser llevado al cinematógrafo por MGM, Lena Horne rechazó el papel protagónico alegando le ofrecían un papel que detractaba la dignidad de la raza, poniendo a los negros cien años atrás. El álbum con el elenco negro original desapareció sin haber sobrevivido ninguna grabación orquestal. Afortunadamente para aquellos interesados en el tema (los norteamericanos que quizás por ser el Jazz el equivalente a su música clásica todo lo registran), el equipo del “New York Encores” resucitó la obra después de una amplia labor detectivesca (Decca Broadway, 1998).

En realidad no todo estaba perdido. El talentoso e inolvidable trompetista Clifford Brown, en el Paris de 1953, como miembro de la orquesta de Lionel Hampton, estaba en el estudio con un pequeño grupo de de compatriotas de la banda, tocando arreglos de Quincy Jones (también miembro). Y así, quedo esta ilustración de su inventivo genio.

En 1959, otro genio, Ray Charles dejaba este ejemplo de la canción como vehículo para cantar baladas con un sentimiento swing acompañado de coro soprano, arreglo de cuerdas y un pequeño pero sutil ensamble de jazz con sabrosas apariciones del trombón de Bob Brookmeyer.

Ya un año antes, Art Blakey y sus Jazz Messengers de entonces : Bobby Timmons, Lee Morgan, Benny Golson y Jymie Merritt, dejaban estos dramáticos solos.

El gran corazón jazzero del Alto saxofonista Art Pepper también dejó sus latidos en esta conmovedora lectura de balada con emoción genuina.

Con la ayuda del contrabajista Scott LaFaro y el baterista Paul Motian, el pianista Bill Evans reinventa la melodía, con un toque discordante pero sensitivo. Años después la volverían a interpretar en memoria de Scott, con Chuc Israel sustituyéndolo.

That's All.

2011-02-21T11:02:00.000-08:00

Una de las más tibias y naturales melodías del Jazz pop, “That’s All” fue escrita en 1952 por Alan Brandt y Bob Haymes. Notable publicista el primero, decidió a los 75 años escribir su primera obra. Hymes, el hermano menor del actor y cantante Dick Haymes, también lo fue, aunque sin fama. Contrario a lo que se pudiera pensar, Dick, quien estuvo en el pico de su carrera en los 50’s, no la grabó sino hasta 1976, cuatro años antes de su muerte. Quien introdujo la bella melodía fue Nat King Cole en 1953. Su versión, no obstante alcanzar popularidad, no llegó al tope de las 20 canciones ese año. Fue Bobby Daring en 1959 con su álbum “That’s All” quien colocó la canción en el mapa musical de la radio difusión. Fue el primer intento del ídolo de adolescentes para alcanzar audiencia adulta. Y lo logró. El álbum permaneció 52 semanas en cartelera.

El escritor Alec Wilder dice que incluye la canción –a pesar de estar fuera del alcance del mismo- en su libro “American Popular Song: The Great Innovators, 1900-1950”, por dos razones: primero, porque es una de las últimas melodías que fluyen libre, nativa y naturalmente en el estilo del gran pop. Y segundo, porque tuvo una curiosa carrera, sin una fase inicial exitosa pero convirtiéndose inmediatamente en una standard. Alec la escuchó por primera vez con su autor Bob Haymes.

La atractiva letra se convirtió en favorita de cantantes por su expresión de amor ofrecido sin pretensiones, con humildad y un colorido imaginario: “country walks in spring time” y “a hand to hold when leaves begin to fall”. Ellos, claro, se daban cuenta que la amada podría haber recibido propuestas que le prometieran más, monetariamente: “There are those, I am sure, who have told you, the would give you the word for a toy” y que su oferta (de ella o él) pudiera parecer menor, por comparación:

I can only give you love that lasts forever,
And the promise to be near each time you call,
And the only heart I own for you and you alone
That’s all, that’s all.

¡Ahhh, que tiempos aquellos! Pero no sólo cantantes se prendaron de ella, grandes del Jazz le imprimieron el toque dulce que merece, con su instrumento.

Preservando el Jazz

2011-02-13T11:57:00.000-08:00

Como muchos músicos de Nueva Orleans, el trompetista y cantante James Andrews es parte de una dinastía musical. Dos de los grandes del R&B son sus parientes: Prince La La (tío) y Jessie Hill (abuelo). La La es principalmente recordado por su canción "She Put a Hurt On Me" y Hill por el éxito de 1960 "Ooh-Poo-Pah-Doo", un clásico del R&B. A pesar de que Hill no vivió para escuchar este aclamado compacto (1998) de su nieto, sin duda estará orgulloso de él en el otro lado, así como de la loable labor de preservación que realiza.

El disco abre, como debe ser, con un homenaje al abuelo. La canción "Poops Ain't Gotta Scuffle No More" escrita y acompañada por dos de sus admiradores y estudiantes: Allen Touissant y Dr. John. Ambos usan lo que su mentor les enseñó para convertirse en gigantes del género R&B; ambos retribuyen algo, ayudando a su amigo James a crear su primer compacto, no sólo componiendo sino apoyando con sus instrumentos y voces de fondo; brillando en tonadas como "Latin Cats." Andrews escribió muchas de las 11 pistas pero destaca su favorita "Sweet Emma," en honor a una de las estrellas del piano en la banda del “Preservation Hall” en el barrio francés, donde el joven músico aprendió casi todo sobre el idioma del Jazz tradicional y que ahora figura tanto en su propia música. Su sobrenombre "Satchmo of the Ghetto," habla de su amor por Louis Armstrong y el Jazz tradicional.

En familia.

2011-02-06T21:33:00.000-08:00

El pianista Dave Brubeck (1,919) es un buen ejemplo en la música de Jazz, de esa encantadora costumbre en todos los campos creativos de la actividad humana, de legar a la descendencia los propios talentos. Desde la infancia fue educado -junto con su hermano Howard- por su madre en la música clásica. Juntos también, prosiguieron su educación musical en el “College of the Pacific” en California. La guerra los separó y Dave pasó a engrosar las filas del General Patton dirigiendo la banda marcial del regimiento durante la segunda gran conflagración. Al regresar reinició estudios en el “Mills Colege” con el compositor clásico Darius Milhaud (cuyo primer nombre sería el de su hijo menor), quien animaba a sus alumnos –Cal Tjader entre ellos- a tocar Jazz. Con Cal y el bajo Ron Crotty formaron el trío “Fantasy” vigente y popular en el área de la bahía de San Francisco durante 1949-1951, pero un serio accidente en una piscina lo sacó de acción por largo tiempo y el grupo se desbandó, dejando la costumbre de los conciertos en campos universitarios.

Al volver, Brubeck fue persuadido por el saxo alto Paul Desmond para hacer del grupo un cuarteto. En dos años la banda se había hecho sorprendentemente popular. Tanto que la popular revista “Time” le dedicó una portada. Luego, con su esposa la letrista Lola , montaron un show (“The real ambassador”)antirracismo presentando a Louis Armstrong como figura central. El cuarteto viajó por el mundo hasta su ruptura en 1967. Despues de un tiempo fuera del ambiente (de esa costumbre de entrar y salir se originan los títulos de sus álbumes “Time in” “Time out”) regresó los siguientes años con otro cuarteto en compañia de Gerry Mulligan sustituyendo a Desmond, ya muy enfermo.

Por supuesto, durante estas frecuentes idas y venidas, los hermanos Brubeck no perdieron el contacto. Howard trabajo mucho con la música de su hermano participando en muchas de las grabaciones como instrumentalista de la percusión (la latina “chocola” y las “chimes tubulares”) pero destacando la composición conjunta "Dialogues for Jazz Combo and Symphony Orchestra," presentada por primera vez (1959) en “Carnegie Hall” en una combinación entre el cuarteto y la “New York Philharmonic” bajo la dirección de Leonard Bernstein. Hasta su muerte en 1990, Howard fue el director del departamento de música del “Palomar Junior College” en San Marcos, California, cuyo teatro lleva su nombre.

En 1974, Dave se unió a sus hijos: Darius (teclados), Chris (bajo electrico y trombón bajo) y Danny (batería) en “Brother, the great spirit made us all. Two Generations of Brubeck” (Atlantic records), asistidos por Jerry Bergonzi (saxo tenor y soprano), Perry Robinson (clarinete) y Madcat Ruth (armónica) , ejecutando una amplia variedad de swingeantes melodías con colorido tratamiento.

Art

2011-01-31T20:29:00.000-08:00

En los 60's Art Taylor (1929-1995) dio -literalmente- mucha batería. Uno de los conocidos como segunda generación de bateristas que más ocupado se mantenía trabajando en los estudios; ya con Hawkins, ya con Coltrane y muchos otros. Sin embargo, solamente firmo cinco álbumes, de los cuales "A.T.'s Delight" -Blue Note, 1960- fue el tercero, dicen que el más brillante y percusivo(y el de la portada más chula). Gracias en parte a Potato Valdes, se descubre la raíz rumbera con que Monk (cuando no Thelonius) concibió su "Epistrophy", mientras Art se luce con un crispante solo en su "Cookoo and Fungi" (de raíz calipsoniana). En conjunto, un disco nervioso pero con la energía completamente enfocada.

Eddie y James

2011-01-26T18:24:00.000-08:00

Fundador del "vocalese" (poniendo solos grabados en palabras), Eddie Jefferson (1918 -1979) sin tener una gran voz, fue uno de los cantantes de Jazz del tope. Empezó como bailador de tap, pero a finales de los 1940's estaba cantando y escribiendo. Una sesión en vivo de 1949 lo encuentra encabezando el vocalese al cantar sus letras a "Parker's Mood" y al solo de Lester Young "I Cover the Waterfront." Sin embargo sus clásicas líricas de "Moody's Mood for Love" fueron grabadas primero por King Pleasure (1952), quien también obtuvo un gran éxito con su versión de "Parker's Mood." Jefferson trabajo con James Moody la década de los 1950's grabando ocasionalmente, pero su contribución al idioma pareció pasar por alto hasta los 1970's cuando volvió a trabajar con Moody y durante sus últimos años actuó con Richie Cole. En las afueras de un club de Detroit un balazo acabó con su vida. Sus grabaciones finales aparecieron en 1999 bajo el nombre de "Vocal Easy".

Este compacto "Return from Overbrook" (1996) de MCA/Chess/GRP, presenta dos LP's completos grabados en los 1950's de James Moody: "Last Train From Overbrook" y "Flute N' The Blues". Sus músicos en la sesión incluyen a Johnny Coles (Trumpeta), William Sheppard (Trombó), Numa "Pee Wee" Moore (saxo barítono), Jimmy Boyd (Piano), John Lathan (Bajo) y Clarence Johnston (batería). "Last Train From Overbrook" es enteramente instrumental, pero tres pistas del "Flute 'N The Blues" - "Birdland Story", "Parker's Mood" y "I Cover The Waterfront" presentan a Eddie Jefferson vocalizando.

El título viene de los turbulentos años de Moody en el "Overbrook" Mental Institution de New Jersey y la música esta embebida con esta jornada redentora de ese horrible lugar.

El Rajah

2011-01-20T18:48:00.000-08:00

“Sidewinder” es sin duda el álbum más conocido del trompetista Lee Morgan (1938-1972), aunque muchos conocedores dicen que este “Rajah”, grabado en 1966 y publicado por Blue Note en 1984, es mucho mejor. Especialmente Hank Mobley toca con fineza el saxo tenor. Cedar Walton está espléndido al piano y Lee no sopla con el acalorado registro de costumbre ya que al momento de su grabación se recuperaba del abuso de drogas y estaba débil tocando con precaución. Es uno de los últimos grandes álbumes de Paul Chambers al bajo. Billy Higgins a la batería ¿Qué más se necesita? El LP está fuera de mercado pero afortunadamente Michael Cuscuna de Blue Note reeditó esta gema en compacto en los estudios de RVG.

Jack Wilkins - Guitarra.

2011-01-16T21:15:00.000-08:00

Jack Wilkins es un excelente guitarrista e improvisador, merecedor de un reconocimiento más amplio. Ha probado en sus infrecuentes grabaciones como líder que puede codearse con los del tope. Ganó una fuerte reputación durante una larga asociación con la banda de Buddy Rich. Desde entonces, ha grabado como acompañante con Jack DeJohnette, Eddie Gomez, Phil Woods, y los hermanos Brecker, entre otros. Pero han sido sus propias grabaciones para "Mainstream", "Music Masters", CTI y especialmente su par de álbumes esenciales "Chiaroscuro" en 1977, los que permiten apreciar cuán talentoso ha sido Jack.

"Mexico", compacto de 1992 grabado por "CTI", podría ser pasado por alto por los aficionados al hard bop, dada la tendencia del productor Creed Taylor, tanto a sobrecargar una sesión como a volverla un pábulo comercial, pero vale la pena buscarlo. Destacan: "Dailey Double," un blues "up-tempo" con dejo latino y el liricismo del guitarrista se manifiesta en la estándard "You Must Believe in Spring" y en la más breve "My Foolish Heart," en un solo acústico. Phil Woods aparece como invitado en la composición bop "Captain Blued". La célebre "Captain Marvel" de Corea es una miniatura que presenta a Wilkins con el guitarrista invitado Carl Barry.

Smooth Sailing

2011-01-12T15:32:00.000-08:00

El accesible toque saxofónico del tejano Arnett Cobb (1918-1989) oscilaba entre el swing y el temprano rhythm & blues. Después de tocar en Texas con Chester Boone(1934-1936) y Milt Larkin (1936-1942), Cobb ingreso a las grandes ligas del Jazz sucediendo a Illinois Jacquet en la orquesta de Lionel Hampton (1942-1947). Su versión de "Flying Home No. 2", continuación de la popularizada por Illinois, se convirtió en un éxito. Después de dejar la banda fundó su propio grupo, pero su carrera se vió interrumpida por un grave accidente automovilístico que le lesionó la espina dorsal. Luego de recuperarse reanudó sus giras pero otro accidente igual lo obligó a usar muletas el resto de su vida.

Sin embargo, en 1959 Cobb retornó a sus conciertos y grabaciones con el interesante álbum "Smooth Sailing". Esta reedición en compacto nos trae de regreso una típica sesión de swing del olvidado saxofonista. El colorido trombonista Buster Cooper parece inspirar a Cobb; y en la sección de ritmos el organista Austin Mitchell, el bajista George Duvivier y el baterísta Osie Johnson muestran sus fuertes dotes para esta música.

Jazz en 1959.

2011-01-06T10:51:00.000-08:00

No se ahora, pero en una imaginada blogósfera del Jazz en 1960, alguien por estos días pudo haber escrito en su blog, algo como "Lo que nos dejó el año viejo", mencionando que fue el año con la mejor cosecha de la década. No sólo porque superó el promedio anual de 9 melodías sobresalientes, reportando 16, sino porque con excepción de dos de ellas: "My favorite things" (Rodger y Hammerstein) y "The best is yet to come" (Cy Coleman y Caroline Leight), el resto fueron escritas por los mismos grandes músicos de la época.

Entre ellas, Miles Davis nos legó estas tres joyas:

Mientra que Horace Silver y Jobim nos dejaron un par cada uno:

Otros grandes también dejaron su recuerdo:

Legendario

2011-01-01T21:50:00.000-08:00

(1912-1986) fue sin duda uno de los grandes estilistas del piano. Refinado pero robusto; sofisticado pero sin afectación. Desde niño recibió educación musical completa, estudiando además de piano, violín y teoría musical. A los 17 años se mudó de Alabama a Detroit para tocar en bandas locales. Dos años más tarde se estableció en Chicago para trabajar -entre otros- con Armstrong. Luego Nueva York para unirse a la banda de Benny Carter y después a Benny Goodman. Durante la edad dorada del swing estuvo entre los primeros músicos negros en recibir igual pago que los blancos en la Banda, aunque normalmente a signado a presentaciones de ensamble pequeño o pianista de intermedio y raras veces -si alguna-a la gran banda de Benny. Lo mismo que le pasaba al vibrafonista Lionel Hampton. Nada de bandas mixtas en ese tiempo, y el as del clarinete respetaba las reglas. De 1935 a 1942 grabó simultaneamente un puñado de álbumes en solitario para Columbia y creó su propia banda de estudio, invitando democráticamente a tocar a Goodman y otros músicos blancos de su gran banda.

Posteriormente la gran fama de Teddy quedó como acompañante de una cadena de vocalistas femeninas cuya carrera ayudaría a encumbrar a alturas divinas, entre ellas Mildred Bayley, Ella Fitzgerald, Sara Vaughan y Maxime Sullivan; estas dos últimas incluidas en la antologia de Naxos de su sexteto, que como dato curioso incluía en sendas melodías a los bajistas Billy Taylor Sr. y Billy Taylor Jr., homónimos del recien fallecido pianista del Jazz, Billy Taylor Dr.

Paisajes Citadinos.

2010-12-28T17:18:00.000-08:00

En los 1960s, desilusionada de la escena musical, Ernestine Anderson (Texas, 1928) -en 1958 considerada por la revista "Time" como la mejor voz nueva en el negocio- la abandonó por completo. En 1971, dedicada a la práctica del budismo, recuerda que cantaba especie de oraciones rogatorias para lograr el álbum que le permitiera volver. Por esos días recibió una llamada del saxofonista Benny Carter invitándola a cantar en la grabación de un ambicioso proyecto de estrelas patrocinado por el compositor Bob Friedman. Fue el inicio de su renacimiento. Carter definió su estilo como "honesto y natural, sin tratar de imitar a nadie más que a ella misma".

En 1987, celebró su debut en Concord Records con el álbum "Be mind tonight". La asociación con la disquera había ya producido una cadena de finos álbumes. "Este es un disco que quería grabar desde hace algún tiempo y cuando escuché la posibilidad de tener a Benny, lo sentí como un honor y me emocioné mucho" dijo Ernestine. Y es que la cantante y el alto saxo hacen una combinación perfecta en el evocativo paisaje de "Domingo en Nueva York", mientras que en el no menos evocativo "Londres por la Noche", ciudad donde vivió dos años, Anderson abre con la meloza riqueza de su voz fijada por el super bajo de Ray Brown. Acompañan también: Marshall Otwel (piano), Ron Eschete (guitarra) y Jimmie Smith (batería).

El delfín verde.

2010-12-20T17:34:00.000-08:00

“On Green Dolphin Street” fue introducida como tema principal de la película de MGM (1947) del mismo nombre, basada en el libro de la novelista británica Elizabeth Goudge (1944) "Green Dolphin Country", de poca aceptación por la crítica de la época. Dos densas horas con veinte minutos protagonizadas por Lana Turner, Van Heflin, Donna Reed, Richard Hart y and Frank Morgan en Nueva Zelanda. Tiene de todo, mucho quizá para una sola película: conflictos familiares, triángulo amoroso, un tsunami, phatos y bhatos (sea eso lo que sea). Ganó el premios de la academia por efectos visuales y de sonido. "On Green Dolphin Street" es también el título de una novela de 2003, escrita por Sebastian Faulks, en la cual la heroína escucha a Miles tocando la canción como fondo, cuando ella se muda al "Greenwich Village" (NY) en 1960.

En 1947, con una cadena de canciones exitosas y temas de cine tras él, Bronislau Kaper fue contratado para escribir la pista de sonido de la mencionada película. Sorpresivamente, el tema no fue un éxito inclusive con la letra de Ned Washington. Sería una década después de la grabación de Miles, cuando se establecería como una clásica del Jazz. Versión definitiva a paso lento cortesía de Davis con trumpeta muda, John Coltrane al saxo y Bill Evans al piano.

Freddy

2010-12-14T18:03:00.000-08:00

El hermano más joven de Nat King Cole (aquí al lado) y tío de Natalie Cole, el cantante /pianista Freddy Cole suena muy parecido a su celebrado hermano, pero tiene una personalidad propia (no sé si puede ser de otra manera). Cole, cuya vocalización tiende a ser un poco más oscura y ruda, empezó tocando el piano a los cinco años de edad. Estuvo interesado en jugar futbol americano profesionalmente, pero decidió seguir una carrera musical después que una herida grave en la mano terminó con sus ambiciones de atleta. Cosa buena, porque no lo ha hecho nada mal, hasta ahora a sus 78 años. Cole debutó en 1952, con el single "The Joke's on Me" En los 60s y 70s, trabajó con varias disqueras y en los 80's fundo su propio sello, "First Shot". Actualmente se ha acercado al pop suave grabando éxitos hechos famosos por Smokey Robinson, Bonnie Raitt, y Van Morrison entre otros.

In a sentimental mood.

2010-12-12T20:48:00.000-08:00

Un día de Abril 1935, Duke Ellington y su orquesta introdujo “In a Sentimental mood.” Grabada en el sello Brunswick y presentando a Otto “Toby” Hardwick (alto saxofón), ya en julio la composición trepó a los primeros puestos de la cartelera pop. La melodía gozó una ola de popularidad en los 30's, sobre todo una versión de Benny Goodman y su orquesta en 1936. En la era de la radio, fue el tema de por lo menos nueve shows. A pesar de que el Duke tiene el crédito de la música, Ervin Mills y Manny Kutz de la letra, se dice que Toby debería ser reconocido más alla de su performance introductoria. Esto porque en la biografía de Ellington, James Lincoln Collier comenta que las ideas centrales de casi todas sus canciones, se originaron en la cabeza de alguien más. Entre otras señala “Sophisticated Lady,” y “Prelude to a Kiss” como adaptaciones de melodías de Hardwick. Quien sabe, pero más allá de todo ello, hay pocas dudas sobre la versión definitiva.

¡Cuán alta es Ella!

2010-12-11T10:18:00.000-08:00

Con música de Morgan Lewis y letra de Nancy Hamilton, "How High the moon" se estrenó en el musical de broadway "Two for the Show" en 1940, permaneciendo 124 noches en la cartelera del "Booth Theatre". Aunque Lewis la escribió como una balada suave, dada su cmpleja e interesante progresión coral, la canción se convirtió en una favorita del bebop, contendiendo alguna vez por el honor de ser la composición más grabada de todos los tiempos, y la más grabada en 1951 con la versión de Les Paul y su esposa Mary. Fue incluída en varias películas, pero fue Ella Fitzgerald quien virtualmente se la apropió con su peculiar lectura que incluía alteraciones de la letra y solos de scat, mostrando su utilidad como vehículo del bebop.

Vértigo*.

2010-12-06T18:17:00.000-08:00

Vertigo, película estadounidense dirigida por Alfred Hitchcock y estrenada en 1958, narra la historia de John "Scottie" Ferguson, un detective retirado, aquejado de acrofobia, que es requerido por Gavin Elster, un antiguo compañero de Universidad y hombre millonario, para que vigile discretamente a su esposa Madeleine, quien considera que ha sido poseída por el espíritu de una mujer muerta, Carlotta Valdés. La película combina el suspense y la ciencia-ficción catástrofista con temáticas relacionadas con el romance, misterio, muerte, decepción y alteración de la realidad. Su guión está basado en la novela Sueurs froides: d'entre les morts, (De entre los muertos) escrita por los franceses Pierre Boileau y Thomas Narcejac, y está protagonizada por James Stewart en el papel de "Scottie" y Kim Novak, quien interpreta un doble papel, como Madeleine Elster y Judy Barton. Se estrenó mundialmente en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1958, rebiendo la Concha de Plata.

El inspector de San Francisco Scottie Ferguson sufre de vértigo y se ve compelido a retirarse del servicio cuando un compañero cae de una cornisa al vacío, durante la persecución de un delincuente. Un día recibe una llamada de Gavin Elster, un antiguo compañero de clase, que es millonario, y le pide que vigile discretamente a su esposa Madeleine, que parece estar poseída por el espíritu de su bisabuela, Carlota Valdés, muerta cien años antes. Después de seguirla y observarla durante unos días, Ferguson se obsesiona con Madeleine. A partir de ese momento se ve envuelto en una trama de la que ya no puede salir.

En la novela de Boileau y Narcejac, De entre los muertos, el protagonista es impotente sexual. Los autores escriben, con toda claridad en el primer capítulo, que nunca ha conocido a una mujer aunque tenga más de treinta años. En la adaptación cinematográfica, Hitchcock se divierte multiplicando alusiones a la sexualidad de Scottie. En la segunda escena, un diálogo larguísimo en el piso de Midge, maneja un bastón sin saber qué hacer con él mientras que Midge habla de su corto noviazgo que se interrumpió porque entre ellos dos no pasó nada. Apunta con él hacia un sostén, en efecto el trabajo de Midge consiste en fabricar lencería, lo que añade erotismo a la escena. El bastón de Scottie es un sustituto de su sexo, insinuando que no sabe que hacer con él en compañía de una mujer que le desea carnalmente. Midge le habla como a un niño "you are a big boy now!" (¡ahora eres un muchacho grande!). Al final de la larga secuencia, Scottie trata de luchar contra su vértigo subiéndose poco a poco a un escabel. Hitchcock nos enseña, en un plano muy breve, dibujos de mujeres al pie de los escalones. Nos sugiere así un ensayo de erección. Se acaba en un fiasco cayendo Scottie en los brazos de la siempre insatisfecha Midge.

La ironía llega a su cumbre con la utilización de la torre Coït (semejante palabra no se inventa) muy famosa en San Francisco y cuya erección fue financiada por Lili Hitchcock Coït (nada tiene que ver con el director). La torre, obvio símbolo fálico, fue diseñada en forma de boca de riego porque a Lili Coït le gustaban mucho los bomberos. Se ve constantemente desde la ventana del piso de Scottie como para reírse de su falta de vigor sexual. Cuando Madeleine, después de su ensayo de suicidio viene a darle las gracias a Scottie, dice que encontró su casa gracias a la torre. Scottie le contesta que es la primera vez que le es útil para algo. Poco después, en una escena, las olas que se rompen en la playa, nos sugiere fuertemente que se acostaron juntos. Scottie está entonces convencido que Madeleine es una reencarnación de Carlota (bisabuela de Madeleine, objeto de su obsesión). Pues se ha acostado con una muerta. Hitchcock en su entrevista con François Truffaut habla de necrofilia. Es incapaz de hacer el amor con una mujer de carne y hueso. Más tarde tendrá una relación sexual con Judy sólo después de haberla transformado en Madeleine.

*Filtrado de Wikipedia

Whisper not.

2010-12-04T21:47:00.000-08:00

El saxofonista, compositor y arreglista Benny Golson escribió varias standards del Jazz, entre ellas “I Remember Clifford,” “Stable Mates,” “Killer Joe,” “Along Came Betty” y “Whisper not”. Esta última in 1956 cuando estaba con la banda de Dizzy Gillespie que hizo la primera grabación de la tonada en noviembre de ese año. Golson la grabó con su Jazztet el año siguiente .

“Whisper Not” pegó rapidamente entre los músicos del Jazz y varios instrumentalistas la grabaron a finales de los 1950s.

Cuando el escritor de Jazz Leonard Feather le agregó letra, “Whisper Not” fue recogida inmediatamente por la vocalista Anita O’Day en 1958. La letra es sobre amantes que se reunen después de un rompimiento, regocijo y promesas de –esta vez- amor eterno. Ya se sabe:

Our harmony was lost
But you forgave, I forgot
Whisper not of quarrels past
You know we’ve had our last

“Whisper Not” continuó floreciendo como favorita tanto de instrumentalistas como de vocalistas y Hank no podía dejar de tocarla en sus últimos años.

Un saxo actual.

2010-12-01T10:17:00.000-08:00

Para quienes no habían escuchado los impresionantes atributos del saxofonista tenor David Sills en su álbum anterior, "Journey together", el siguiente, "Bigs", fue una firme declaración alertiva de su fuerza musical, apoyada por el piano de Alan Broadbent, la guitarra de Larry Koonze, el bajo de Darek Oles y la batería de Joe LaBarbera. Aquí, David exhibe adaptación aguda y eficaz a diferentes contextos y fluida sensibilidad colaboradora con su devoción a las tonadas largas, evocando con naturalidad nociones de Getz, una de sus tempranas y más importantes influencias, junto con Joe Henderson.

Al final, queda claro que David no es un saxofonista locuaz, ya que sabe bien lo que quiere decir y lo expresa de forma articulada, disciplinada y sustancial, haciéndolo sonar elusivamente fácil. A la fecha, Sills ha grabado 3 álbumes más que confirman sus alertas.

De arriba abajo.

2010-11-28T19:59:00.000-08:00

"From the Botton", último álbum de Bobby Timmons para Riverside (justo antes de que dicho sello fuera a la quiebra) fue publicado por primera vez hasta 1970. Timmons, un pianista funk muy influyente en su mejor forma. La mayoria de canciones acompañado por el trío formado por el bajo Sam Jones y el baterista Jimmy Cobb, pero sorpresivamente cambiandose al organo en su viejo éxito "Moanin" (su única aparición, alguna vez, con dicho instrumento) y vibráfono en "Someone to Watch over Me."

La cubierta despierta una sospecha: una silueta de Bobby en todos los colores, pero sólo una pizca de azul. Difícil de explicar, pero la música escrita por Timmons ha sido siempre mas famosa que la que tocó. Un padre del soul jazz, muestra aquí mucho de lo que pudo hacer, tornándose sabio en las baladas, iluminando a sus socios e inclusive le da al vibráfono una encantadora vuelta de carrusel. Muchos estilos, sabores y un poco de blues también.

Lils

2010-11-25T18:50:00.000-08:00

Es una de las cantantes de Jazz más populares de Holanda. Se le conoce como "la Billie Holyday europea". La comparación no es coincidencia: la música como la historia de su vida tienen mucho en común. Profunda tristeza y gran felicidad es notoria en sus canciones. En 2003 formó su grupo con el que grabó este disco, cantando las estándares de siempre.

Personal:
Lils Mackintosh - vocals
Berend van der Berg - piano
Marius Beets - bajo
Rene Winter - batería
Sjoerd Dijkhuizen - saxo

Revisitando el Mambo

2010-11-21T09:51:00.000-08:00

Una colaboracion entre el guitarrista y el alumno de Buena Vista. El álbum busca capturar el viejo "groove" del mambo popularizado con los Jazz/crossover de los 1950's y 60's - por eso la "aleta del chevrolet" en la portada - interpretados por orquestas como las de Henry Mancini y Nelson Riddle, pero basado esta vez en la guitarra de Ry. Hay también aquí y allá, un toque de exotismo a lo Esquivel. En raras instancias se escucha, incluso, un pequeño toque "hecho en casa", agregado por la percusión. Los recien llegados a Cooder deberían, quizás, escarbar en algunas grabaciones más viejas - esta es de Nonsuch, 2003 - para agarrar el feeling. En cualquier caso es fácil cogerle el ritmo para la bailadita.

Un Charlie Diferente.

2010-11-17T12:00:00.000-08:00

Charlie Barnet fue diferente de varias formas. Una, nacido millonario y fallecido igual - pequeña diferencia con respecto a la mayoría de colegas- le hizo un poco al playboy durante su existencia, terminando con una incontable lista de ex's...y de anécdotas. Fue uno de los pocos líderes blancos de big bands, que en la era del swing abrazó abiertamente la música de Duke Ellington (también admiraba a Count Basie). Barnet fue un pionero en la conducción de bandas integradas (tan temprano como 1935). Y, no obstante ser esencialmente un saxofonista tenor -desarrollando un sonido original al estilo de Coleman Hawkins-, Barnet fue un efectivo emulador de Johnny Hodges al alto, siendo también, virtualmente, el único saxo soprano (además de Sidney Bechet) en los 1930s y '40s.

Y sin embargo, Charlie Barnet fue significativo en el Jazz, sólo por una década (1939-1949). Al entrar los 1950's perdió el interés y deshizo su banda.

Las Damas de Charlie.

2010-11-11T17:42:00.000-08:00

Uno de los fundadores del Jazz libre, el contrabajista estadunidense Charlie Haden (1937) es sin duda una de las figurasw centrales del Jazz moderno. Ha venido brillando desde su participación en el cuarteto de Ornette Coleman a fines del os 50's. Luego de sorprender con su anterior álbum “Family and Friends: Rambling Boy” en el que celebraba la música country que tocó profesionalmente junto a su familia durante su infancia y adolescencia, Haden vuelve ahora al jazz más puro junto a la exquisita agrupación Quartet West y algunas de las más grandes cantantes de la actualidad. Fundado por él a mediados de los ’80, este cuarteto es uno de los más elegantes y coherentes combos pequeños del jazz contemporáneo, formado por Ernie Watts en saxo tenor, Alan Broadbent al piano y Larance Marable en batería. Se dice que Haden resucitó y modernizó la típica manera californiana de abordar el juego jazzero, con un modo personal hecho de clara suavidad, sofisticación y sensualidad. Los seis álbumes anteriores del cuarteto -"Quartet West" (1987), "In Angel City" (1988), "Haunted Heart" (1992), "Always say Goodbye" (1994), "Now Is the Hour" (1996) y "The Art Of Song" (1999)- pueden ser leídos como capítulos de una ficción que multiplica las conexiones y relaciones entre el jazz de California de la inmediata post-guerra y Hollywood durante la misma época, que fue notablemente marcado por la estética de las grandes películas del film noir.

Este nuevo lanzamiento titulado “Sophisticated Ladies” –Octubre, 2010- presenta al nuevo baterista del grupo, Rodney Green y algunas de las grandes vocalistas femeninas de nuestro tiempo, nombres de relevancia artística y comercial como Diana Krall, Norah Jones, Melody Gardot, Cassandra Wilson, Renee Fleming y la mujer de Charlie, Ruth Cameron. Damas sofisticadas que brillan hoy con el esplendor de los viejos buenos tiempos. Contiene 12 composiciones clásicas del jazz, alternándose un tema vocal con uno instrumental , logrando un disco que deleita de principio a fin. A continuación escuchar: “If I'm Lucky” – Feat. Melody Gardot; “Sophisticated Lady”; “Let´s called a day”– Feat. Ruth Cameron y “My old flame”.

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Amigos

2010-11-09T20:14:00.000-08:00

Después de quince días ausente de la blogósfera, ya echaba de menos a los amigos. Luego, a visitar sus blogs para enterarme de las nuevas, donde por supuesto, entre tanto Jazz no faltó el papa. Después a buscar material para reiniciar. Para mi sorpresa y muy a a propósito me encuentro con este "Friends" (Polygram) de Chick Corea, que como algunos de sus álbumes publicados con pequeños pero buenos ensambles entre los álbumes de la década de 1970 con "Return to Forever" y los de finales de los 1980's con su "Electric Band", languidecía en la oscuridad, pleno de composiciones originales. Aqui, Chick hizo equipo con Joe Farrell (flauta y cañas), Eddie Gomez (bajo) y Steve Gadd (batería). Un disco donde cada miembro del cuarteto contribuye al total.

Desencuentros y encuentros

2010-10-25T22:52:00.000-07:00

Nacido con los 50’s a veces me preocupa el paso de los años que noto en viejos conocidos nacidos en los 30’s. No sé si por eso o porque me gusta el swing o por ambas cosas, me sucedió lo contrario al descubrir y escuchar este álbum. Resulta que Keely Smith (1932), primorosa quinceañera, allá por 1947 fue de vacaciones a la ciudad de Nueva York y tuvo la oportunidad de escuchar a uno de los “showman” ítalo americanos que por esos años derretían corazones con sus mezclas de Jazz, Blues, pop italiano y muchas cosas más: Louis Prima, un hombrón muy machote él. Naturalmente, la chica quedo encandilada, y como también cantaba en el cole, sin alcanzar el nivel de las divas del Jazz de la época, pero respetable en las baladas pop, sobre todo, bien enterada que Louis buscaba una socia para dueto y que probablemente llegaría a Norfolk, Virginia, su pueblo, con ese propósito (esas cosas pasaban, aunque uno no lo crea), se preparó mucho Y así fue cómo, de socios pasaron al matrimonio, que duró hasta 1960 cuando pidió el divorcio por maltrato cruel.

Rondando los 70´s, después de 15 años fuera del escenario, en el 2000, Keely grabó para Concord “Swing, Swing , Swing”, con la orquesta de Frank Capp, volviendo rejuvenecida sobre la huella de sus mejores años con Louis. Un reavivamiento del swing, cantando en buena forma, creo que superando a muchas divas actuales. Sus hijos: Toni y Luanne Prima vocalizan en el fondo. Dan ganas de mover los pies.

Scott

2010-10-22T22:48:00.000-07:00

LaFaro (1936-1961) nunca llegó a una edad otoñal, pero el otoño evoca su recuerdo, ligado indefectiblemente al de Bill Evans (1929-1980), quién parece nunca haber muerto, a diferencia de Scott que parece siempre acabado de morir. Que lío me hago con esto todos los octubres. El hecho es que se unió al trío de Bill en 1959, ya como alguien que a sus 22 años había brillado con la "Buddy Morrow's band" (1955-1956),salido de gira con Chet Baker (1956-1957) y trabajado con Barney Kessel, Cal Tjader, y Benny Goodman, entre otros. y no obstante que grabaría también con Ornette Coleman y con Stan Getz, el bajista es mejor recordado por su asociación con Evans, particularmente sus grabaciones en el "Village Vanguard" de 1961, poco antes de morir en un lamentable accidente automovilístico que sumió a Bill en una depresión que lo alejo de la música más de un año y se dice que sin él, nunca su trió volvió a ser el mismo.

Considerando que el legendario bajista nunca grabó un álbum como líder, es nada menos que un milagro en los anales del Jazz que exista esta grabación y afortunados los que lo posean. Una rara ventana al espíritu de Scott, aparte de sus grandes sesiones con Evans, y un complemento al libro escrito por su hermana Helene LaFaro Fernandez, "Jade Visions".

Gigante

2010-10-20T21:52:00.000-07:00

Esta sesión de estudio en Paris (Verve,1973) apareció primero en el sello europeo "América", como "Gigante", pero ha habido alguna confusión, puesto que han aparecido, a través de los años, varias combinaciones de canciones bajo el mismo título de álbum con el nombre de Dizzy Gillespie. Sin embargo, a pesar de su breve extensión con sólo 5 melodías (34 minutos), esta vívida reunión del gran trompetista con el bajista Niels Pedersen, el pianista,Kenny Drew, el baterista Kenny Clarke y el tenor saxofonista Johnny Griffin, vale la pena, a pesar que por esos días Dizzy empezaba la declinación de su brillante carrera. Como se dice, es mejor escuchar un Gillespie al 90% que a otros trompetistas al 100%.

La fina técnica de arco de Pedersen introduce la breve balada "I Waited for You," con Dizzy al tope, y su trompeta ensordecida se pasea despacio alrededor de los crispantes escobillazos (con el perdón de la academia) de Clarke durante "Girl of My Dreams".

Una Leyenda de Kansas

2010-10-18T09:16:00.000-07:00

Perteneciente al así llamado grupo "Wild Women of Kansas City", la cantante Myra Taylor celebró su 93 aniversario en el "Knuckleheads Saloon" de su ciudad natal a principios de este año. Abarrotado, como testamento de su eterna popularidad. Mayra aprendio música alrededor del mundo y pagó esa experiencia entreteniendo gente de todos lados en sus vastos viajes. Sirvió a las tropas en la segunda guerra, en Corea y Vietnam, atendiendo además, su propio club nocturno en Frankfurt, Alemania. Viajó mucho por Africa e incorporó esa experiencia a su estilo musical y composiciones.

La revista "Living Blues" la nominó artista femenina del año en 2001 por su álbum compacto “My Night To Dream”; pero quizás el honor más grande de su vida es su inclusión en la reciente película "Kansas City Jazz and Blues. Past Present and Future" a cuyo estreno asistió como invitada especial. Los fondos recaudados en el evento serán destinados a ayudar organizaciones del Jazz y Blues, sin fines de lucro.

Cambio de género.

2010-10-09T22:10:00.000-07:00

Tarde de sábado, vislumbre otoñal en estos trópicos, sin nubarrones, incipiente viento, lenta caida de sol, 17 grados C. decidí escuchar algo de música clásica acudiendo a mi, francamente pobre y abandonada (por el Jazz) discoteca. Aprovechando para limpiar los álbumes, en un rincón, empolvado apareció - como testigo del largo peregrinar de la guitarra clásica o española, por los senderos civilizacionales-, Carlos Barbosa-Lima, brillante ejecutor del venerable instrumento.

Para terminar de definir esa tendencia al abandono, ya que el dicho álbum es un homenaje a diferentes tendencias musicales expresadas en la guitarra, decidí limpiarlo, pasarlo a la cada vez más rica sección de Jazz y escucharlo.

Pudo quedarse allí o pasar a la sección pop, pero no podía ser, siendo que Carlos -1944- incluye músicos de la talla del pianista, compositor, arreglista y cantante de Jazz Bobby Scott -1937-1990-, compañero de giras de músicos como Charlie Parker, Lester Young, Quicy Jones, Sara Vaughan y el mismo Barbosa; y de su, por largo tiempo, colaborador en el Jazz, profesor y compositor John Grigs -1930-?. Y por supuesto a su admirado George Gershwin, de quien sobra qué decir o lo que se diga sobra, a no ser qué, de las muchas versiones de "Rhapsody in blue", pocas como la suya:

Pero también importante, según comprobé, es que el maestro no olvida sus raíces.

Un sobreviviente.

2010-10-06T13:34:00.000-07:00

De acuerdo con David Hajdu, autor de varios libros sobre cultura y música -entre los últimos "Lush life". La biografía de Billy Strayhorn-, los artistas influyentes, algunas veces hacen click en la conciencia del público, solamente después del auge del movimiento que han influenciado, y que una escuela de trabajo creativo emerge , con aparente espontaneidad y orígenes oscuros al principio. Luego, dice, con atención a los artistas de esa escuela, viene el reconocimiento de sus influencias, sus antecedentes y mentores. Después de Pollock, de Kooning y coetaneos de posguerra, se estableció el expresionismo abstracto y la precursora importancia de la iconoclastía de Kandinsky en la preguerra, fue clara

Utiliza el ejemplo para explicar cómo ha surgido a través de los años de la presente década, una hola de música altamente expresiva más concernida con las emociones que con el oficio y el virtuosismo; una música informal y elástica opuesta a a lo que que se supone sea el Jazz. Implacable, la llama “post-Marsalis”, en el sentido de dejar atras el cánon conservador del Jazz de los 90's. Entre estos músicos estarían los pianistas Brad Mehldau, Ethan Iverson (del trio "the Bad Plus"), Jason Moran y Vijay Iyer. Y singularmente, entre los pioneros de su arte, el largamente irreconocido innovador de este transfronterizo e individualista Jazz del siglo XXI, el pianista y compositor Fred Hersch. Nunca gran estandarte y sin interés en la publicidad (lo siento), Hersch ha sido una feroz pero no asumida presencia en la escena jazzistica de Nueva York, desde que se mudo a la ciudad a los 21 años en 1977. El cuerpo de su trabajo es un manifiesto del jazz contemporáneo - 45 álbumes como solista, compositor y líder de banda-.

El Jazz — una música energizada por las tensiones entre tradición e innovación; entre cooperación y expresión individual — ha pasado por múltiples fases a través de los años, desde que Fred empezó a tocar profesionalmente hace más de 30 años. Ninguna le ha interesado particularmente. Se le conoce como un artista indiferente a los géneros y a las modas músicales, pero infatigable en lo suyo, sea lo que sea. Su determinación de hacer cosas a su modo, se intensificó considerablemente desde principios de los noventas, cuando hizo público su diagnóstico de SIDA .

Mientras la sensibilidad de la cual fue pionero ha florecido, el mismo Hersch ha sido escuchado muy esporádicamente los últimos años. La razón es que por su salud empeorada, cuando hasta su compañero de hogar pensaba que sería la última vez que lo vería, fue sometido a una terapia intensiva. Ahora, a sus 54 años, parece que por su casi irracional rechazo a aceptar sus problemas, se ha restablecido y el año pasado publicó en la primavera un compacto -concierto con su "Pocket Orchestra", el verano otro en solitario (“Fred Hersch Plays Jobim”) y en diciembre participó con su trío en el Festival Internacional de Buenos Aires. El mismo día de su concierto, pero a la tarde, el pianista Fred Hersch dictó una clínica destinada a músicos argentinos. Luego de escuchar atentamente a un trío, dijo: "Cuando se toca en trío, cada persona es un tercio de la foto. Si alguno resalta más, la imagen se desequilibra". Eso se vinculaba con otro de sus comentarios: el imperativo de dejar espacio.

Recordando a Buster.

2010-10-04T20:01:00.000-07:00

Aunque ya le celebraron su centenario, no está de más un recordatorio. Hoy cumpliría 114 años Buster Keaton,el cómico "cara de poker",cuyos estudios en frustración exquisita divirtieron a dos generaciones de audiencias cinematográficas. Murió de cancer en los pulmones a los 70 un febrero de 1966. Alguien, alguna vez dijo de Francis Keaton que parecía el tipo de hombre a quien los perros orinaban. Un apenado tipejo de cara triste como un basset. Junto con Charlie Chaplin y Harold Lloyd fueron los tres grandes cómicos de la pantalla silenciosa. Estableció un inolvidable carácter, el triste y silencioso solitario que perseveró estoicamente contra un mundo mecanizado. Contrario a Chaplin, nunca fue sentimental, ni nunca recurrió a sensiblerías patológicas. Le talló un rostro de granito al personaje.

El Rey Zulu

2010-10-02T13:20:00.000-07:00

El hombre de piel oscura con la trompeta dorada estiró sus cicatrizados labios, sopló una corta cadena de increíbles y brillantes notas, y luego, con cuidado colocó la trompeta al lado, y dijo:

"Ahh¡¡. Hay algo que he soñado toda mi vida. Y maldito sea si no se parece a lo que está por venir –ser el rey del desfile de los Zulus- . Después de eso, estaré listo para morir".

La tercera semana de febrero de 1949, pocos mortales estuvieron tan cerca de los deseos del corazón que Daniel Louis Armstrong. A sus 48 años estaba de regreso en el pueblo donde nació para ser monarca por un día en el bullicioso” Mardi Grass” de Nueva Orleans. Por primera vez en sus 33 años de historia, el “Zulu Social Aid and Pleasure Club” (fundado primariamente para asegurar a los suscriptores un funeral decente) había salido del pueblo por su rey del carnaval. En el pasado lo fueron porteros, dependientes o directores de pompas fúnebres (sin ofender a nadie), pero Louis, era un “royalty” de los grandes, inclusive una figura mundial. Muchos expertos del Jazz de la época que podían ser tan “snobs” y esotéricos como los existencialistas o los seguidores del culto a Bach, solemnemente lo proclamaban como el más grande genio musical que los U.S.A. produjeran. Alguien llegó a decir que el estilo Armstrong de improvisación “lo hizo un maestro del arte musical comparable sólo a los grandes castrados del siglo XVIII”.

Entre los intelectuales negros, los zulus y sus espectáculos eran considerados vestigios ofensivos del show juglar, tipo sambo negro. Para Armstrong, rey del jazz, el vasallaje de la parada zulu , sería la culminación sentimental de su espectacular carrera y un zambombazo, además. Para él, esas susceptibilidades eran absurdas. Le sonaban a nada.

Exótica

2010-09-29T21:36:00.000-07:00

Les Baxter (1922-1996) fue un pianista que compuso y arregló para las más reputadas bandas del swing en los años 1940s y 50s, pero es más recordado como el fundador de la "exótica", una variación del "easy listening" orientada a glorificar los sonidos y estilos de todos los continentes, reteniendo las tradicionales cuerdas y trompetas del pop instrumental. Exótica se convirtió en una moda masivamente popular, con miles de compradores de discos escuchando a Less, Martin Denny, Esquivel e imitadores. Baxter fue además pionero en el uso del instrumento electrónico "Theremin" de un sonido evocador y chillante.

En los 50´s llegó a ser compositor y arreglista para Capitol records; Director musical del show radial de Abbott & Costello; y también compuso más de 100 bandas sonoras, concentradas en películas de horror y dramas como "Gigante". En los 60's continuó con su exótica, su producción menguó, pero persistió hasta los 90´s. A continuación un par dedicado a Portugal.

Jazz desde Corea

2010-09-26T23:00:00.000-07:00

Fiel al compromiso adquirido con las amistades de la blogósfera, presento esta vez mi último descubrimiento, la cantante de jazz coreana Youn Sun Nah. En realidad se presenta sola, con el simple "So I am" de su primer álbum (Soca Disk, 2009),como pidiendo a la audiencia le escriba su biografía. Audacia no le falta para escoger repertorio (además compone): "Jockey full of bourbon" de Tom Waits y "Calypso blues" de Nat King Cole son una muestra.

Billy & Gerry, y noticias.

2010-09-25T12:15:00.000-07:00

Platicando de todo un poco con algunos amigos del Jazz, la plática sobre pros y contras de las fundaciones, derivó anécdota. Resulta que uno de los miembros del cotarro, involucrado alla por mediados de 1978, en una asociación local de amigos del jazz (valgan pleonasmos y cacofonías) platicó por esos días con un médico extranjero involucrado en un programa sobre la ceguera, venido acá directamente de Egipto, por las referencias del doctor Robles, eminente paisano. Y bueno, el experto oftalmólogo, además de trabajar para una prestigiosa y bien dotada fundación, fundada por un magnate pionero de la explotación petrolera a gran escala, a quien un historiador del asunto este, y ganador de un famoso premio al periodismo patrocinado por una fundación hermana, atribuye la iniciativa para derrivar el panteón de sus ancestros en el cementerio de su pueblo natal para permitir la apertura de pozos y utilización del bosque aledaño para fabricar las estructuras entonces utilizadas; era además, amigo del Jazz. Y fue así como el contertulio se enteró que en la dicha fundación, figuraba como "trustee", nada menos que Billy Taylor, dirigiendo el programa "Jazzmobile" orientado a llevar esta música a ciudades inertes (en ese sentido). Y fue así también, como Billy apareció por aquí dando un recital.

Andaríamos los tertulianos, por esas fechas, rondando una media de 27 años, y Billy, unos 15 años después (1993), cuando se juntó con Gerry Mulligan para ofrecer este concierto en el "Manchester Craftsmen's Guild" en Pittsburgh, PA, rondaría los 70 años, igual que su amigo Gerry. Y medio siglo de experiencia en estos menesteres, hay que agregar. Acompañados a la batería por Carl Allen y al bajo por Chip Jackson, Mulligan y Taylor desde siempre apegados a las estándares, las tocaron en este concierto, sin adornos pero siempre inyectándoles un sentimiento de ternura e integridad. Este concierto fue parte de una serie radiodifundida con mucho éxito por la NPR en EE.UU. Es bueno que que estos disfrutables documentos sobrevivan.

Una canción de película.

2010-09-21T23:01:00.000-07:00

A menudo una mala película nos deja una bella melodía. Es el caso de "The Sandpipers" que a mediados de los 60's ponía ya en evidencia pública, el desgaste de la vieja fórmula holliwoodiense de fingir piedad mientras flirtiaba con material sugestivo y chipe (dícese de las criaturas lloronas a las que se tranquiliza dándoles a chupar mamón);

y "The Shadow of your Smile", a continuación interpretada con sentimiento latino por el sensual tenor Scott Hamilton, el relajado piano de Dave McKenna y el superbajo Phil Flanigan:

Navegando

2010-09-17T21:58:00.000-07:00

Pasando por "The wall street journal" -directo y fácil de navegar como dice su lema- como suelo hacer cuando me prendo para hojear titulares y contenidos de los medios escritos, sintonizo alguna radio para hacer más llevadera la farragosa tarea (digamos).

Claro, una cosa va antes que la otra y esta vez me llevó a "Jango.com free internet music radio that plays that yo want". Jesuschrist¡¡. Que cosas¡¡. Descubrí a esta relativamente joven cantante canadiense, segun dicen en ascenso desde un pub en su pueblo natal, donde alguna vez paré a dejar una encomienda (un mantel típico) y observar la enseñanza parvularia en una escuela, camino a Quebec, soñando con una sopa de cebolla bajo un frío de menos veinte grados. Ahora, cabizbajo y meditabundo, me pregunto ¿Será ella, la que escuché?.

El Rex

2010-09-15T22:14:00.000-07:00

Cine Teatro Gran Rex", Buenos Aires, Argentina, Junio 24, 1973
Bill Evans Trio en Vivo

Este concierto de Bill , editado originalmente en dos LP's por "Yellow Note" nunca fue distribuido a escala mundial, por considerar al Rex un don nadie y porque Bill había ya firmado con el sello "Fantasy" en ese tiempo. A pesar de esto, el disco es bastante representativo del trío, con un bajista bien cotizado (Eddie Gomez) y un baterísta (Marty Morell) casi ignorado, en su mejor forma, abriendo con una tensa interpretación de“Re: Person I Know," tributo de Evans a su antiguo productor Orrin Keepnews.

De fiestas.

2010-09-14T18:42:00.000-07:00

Sin menospreciar su enorme participación en el Jazz, dejo un poco agotado, al lado la guitarra y sus tañidos para dedicar un rato a la meditación necesaria para alcanzar un estado más saludable, acorde con estos tiempos de paz y templanza. Y para ello, aunque la oferta es variada y considerable, que mejor que escuchar, como dicen los maestros de la Sinfónica Nacional en su loable labor (extra) de educación escolar, a mi amigo el piano (Dave Brubeck); mi amiga la flauta (Herbie Mann); mi amigo el contrabajo doble (Chuck Israels) la siempre recargada batería (Paul Motian) y en memorable solo, también "over time", Joe Morello.

No vaya uno a creer, pero estos angelitos, en su día, también echaron sus canitas al aire, (algunos quizás lo sigan haciendo) pero siempre llega ese momento.

Y aquí los dejo, porque quiero tomar unas fotografías del paso de los escolares que traen, fatigados, la antorcha de la libertad desde la frontera norte camino al sur.

Cuando vuelva a tu lado.

2010-09-06T23:56:00.000-07:00

Sucede que al escuchar álbumes compilatorios, donde se espera encontrar lo más granado del tema objeto, uno termina disfrutando la que menos espera. Así pasó con esta compilación que en dos compactos rinde homenaje a la guitarra y sus ejecutores en el Jazz. El primero dedicado a los guitarristas eléctricos (Stalemate Metheny, George Benson, Pat Martino), el segundo a los guitarristas acústicos (Paco de Lucia, Birelli Lagrène, Django Reinhardt), y tal. Un buen panorama, pero allí donde escucho ecos de María Greever, así esté un absoluto, la prefiero.

Bueno, igual me pasa con Wess, os digo, cuya mención en la última entrada del amigo Héctor motivó la presente.

Las palabras y los días

2010-09-05T23:56:00.000-07:00

Tomando un poco de distancia, el pintor está colocado al lado de la obra en la que trabaja. Es decir que, para el espectador que lo contempla ahora, está a la derecha de su cuadro que, a su vez, ocupa el extremo izquierdo. Con respecto a este mismo espectador, el cuadro está vuelto de espaldas; sólo puede percibirse el reverso con el inmenso bastidor que lo sostiene.

Michel Foucault, sobre Las Meninas

Los días pasan volados. Ya hoy seis del tormentoso septiembre. La lluvia mengua. Esta vez es el quinteto de Enrico quien me recuerda -y acompaña- lecturas hace mucho dejadas a medias. Cosas del Jazz.

Enrico Rava Quintet:
Enrico Rava (trompeta);
Gianluca Petrella (trombón);
Andrea Pozza (piano);
Rosario Bonaccorso (doble bajo);
Roberto Gatto (batería)

Música Mandé

2010-08-30T16:47:00.000-07:00

Entre las ventajas de mantener un blog sobre el tema que apasiona, está que a raíz de las relaciones, explícitas o no, que se entablan, despierta de repente en uno el investigador que lleva dentro. Hace unos días, me encontraba sumido en una especie de saturación musical de la que creí no salir jamás. Llegué al extremo de desconectar el timbre, el teléfono y prácticamente todo artefacto que reproduce música, con excepción, claro, del CP porque no estoy en condiciones de sustituirlo por un Mac. La situación llegó al extremo, cuando descompuesto salí a reclamarle al heladero que pasa a diario tirando de su carretilla, que dejara de sonar la campanita. El hombre, naturalmente, reaccionó ante el energúmeno en que me había convertido y me incrustó una cornucopia de veteado napolitano entre ceja y ceja. Si no interviene la familia no se que habría pasado. Y bueno, se lo comenté o ya se había enterado, no sé, a una psicóloga que sale a caminar por las mañanas, también aficionada a la música y me recomendó seguir navegando como si nada hubiera pasado. A regañadientes, así lo hice y, de repente me encuentro con una entrada sobre la Kora, ese instrumento africano de veintiún cuerdas (11 tocadas con la mano derecha) y con un calabazón como caja de resonancia. Y hete aquí que de la noche a la mañana me encuentro bajando libros sobre el asunto, consultando y por medio de un amigo consigo al final, proveniente de un pintor garífuna del caribe local que anduvo hace unos años por Senegal, una copia de este compacto de uno de los más reputados e innovadores maestros actuales, Soriba Kouyaté, quien ha tocado, me dicen, para el presidente de dicho país, el señor Senhor.

Escuchando ese sonido parecido al arpa, me sentí, si no Nerón, por lo menos el señor presidente.

Alegre de no estar contento.

2010-08-26T22:03:00.000-07:00

Frederick Nolan, escritor amante de los musicales basados en las composiciones de la pareja que llama "el dúo dinámico de Broadway" (Lorentz Hart y Richard Hammerstein), escribió en 1978 el libro homenaje "El sonido de su música". En 2005 lo reedita y en la presentación cuenta que en la primera edición, lo que trataba de hacer era recapturar algo de la excitación de esa época gloriosa (1937-1942) en la que compusieron cualquier cantidad de éxitos que luego emprenderían su propio vuelo:

Una época en la que nadie sabía -continúa Nolan- si el show en el cual trabajaban sería triunfo o fracaso. Días en los que todo iba bien y días en los que nada. Veinticinco años más tarde, dice, todavía sigo tratando.

Igual que el tocayo Frederick, sigo yo tratando de encontrar, sin éxito, en las páginas del libro que me deja ver la oferta en internet, algo relacionado con uno de sus temas más subvalorados y que me gusta escuchar en estos días (van 4) de lluvia ininterrumpida a torrentes.

Por si acaso

2010-08-09T00:41:00.000-07:00

“Sólo en caso se olvidara cuán malo era él realmente”. Curioso el título que la gente de “Savoy Records” le dio a este compacto del saxofonista alto/tenor Sonny Stitt, publicado en 2003. El último (1981) en vivo y en vida de quien sabe cuantos, grabados por el que ostenta la marca de saxofonista con más grabaciones en la historia del Jazz. Pocos meses después moriría a la edad de 58 años.

¡Bien pudieron escoger un mejor nombre¡ fue la primera observación que pasó por mi cabeza al escuchar la segunda pista. Luego me sentí tentado a averiguar las razones de este aparente equívoco, antes de publicar la entrada.

Pero bueno, quede esa tarea para los críticos, que para eso están; y sin pretender serlo, simplemente me gustó cómo, en la melodía (Star eyes), el primer e impresionante solo del saxo alto Richie Cole, hombre de una técnica ilimitada y conocedor de cuanto truco del arsenal del “bebop” exista, despliega citas familiares a ritmo cercano al vértigo; pareciendo tener al lado, como escolta nada más, a Sonny. Pero es su turno y las articulaciones empalman, las frases conectan y la cita (del “Carnaval de Venecia”) se incorpora imperceptiblemente dentro del solo, y, ahora sí, el majestuoso sonido “Sonny” -a garganta abierta- prevalece, haciendo prácticamente a Richie, sonar como un rechinido.

Alineación
Sonny Stitt (alto & tenor saxophones)
John Handy (alto & tenor saxophones)
Richie Cole (alto saxophone)
Bobby Hutcherson (vibraphone)
Cedar Walton (piano)
Herbie Lewis (bass)
Billy Higgins (drums)

Post vacacional

2010-08-03T21:11:00.000-07:00

Un verdadero maestro del Jazz, Arturo Sandoval (1951). A pesar de que su reputación se la ganó como trompetista basado en el bop que toca inspirado por su nativa tradición cubana -lo cual es cierto-, ha incursionado profundamente en el tango, swing y jazz eléctrico, en su ya larga carrera. Es también un fino pianista y percusionista. Dicho esto, la noción de Arturo grabando una colección de piezas clásicas, estándares y baladas con un trío apoyado con orquesta de cuerdas, es un poco más que una sorpresa. Sin embargo, eso es lo que “A Time for Love” –como la vieja melodía de Mandel- su recién publicado álbum, básicamente es. Sandoval lo reclama como la realización de un sueño de 20 años. Lo quería lo suficientemente malo como para hacerlo y publicarlo por él mismo, pero el pianista Shelly Berg escuchó los demos y se los llevó a a Greg Field, de Concord Records, quien a su vez los dío a Jorge Calandrelli, quien arregló 8 de las 9 pistas con cuerdas y Berg arregló la otra (de Ravel), con Chris Botti como segundo trompeta, llevó a su trío y la coproducción salió:

Todo revela la profundidad emocional del toque de Arturo Sandoval, no sólo su impresionante “expertise” técnico acumulado que a veces apaga su fiero Jazz; la suavidad y ternura sin emociones sentimentaloides que susurran al oyente un trémulo swing:

o un profundo romance basado en la tradición vocal de las melodías de Mandel/Mercer, donde se pueden identificar sus dos grandes y confesadas inspiraciones para este álbum: el trompetista Bobby Hackett tocando con la orquesta de Jackie Gleason y el álbum “Clifford Brown with Strings”.

Un verdadero contraste en su catálogo. El tiempo dirá. Mientras tanto es recomendable para una reincorporación tranquila a la rutina del trabajo después de vacaciones, o algo así.

Sunset Boulevard

2010-07-30T20:34:00.000-07:00

Todavía hoy es sorprendente el original inicio de esta obra maestra (1950): la cuenta un muerto (Joe Gills: William Holden), el protagonista, un escritor de segunda que sobrevive como puede en Hollywood. "El Crepúsculo de los Dioses" es una película que desde los créditos iniciales -aparecen sobreimpresionados sobre una carretera filmada en retroceso- rompe con la norma.

Al concluir los créditos el viaje termina, la música se apaga y se oyen sirenas, una voz en off explica lo que sucede: «Sí, esto es Sunset Boulevard, Los Angeles, California. Son alrededor de las cinco de la madrugada. Es la brigada de homicidios, completada con detectives y periodistas. Han informado de un asesinato en una de esas enormes casas de la manzana 10.000. Podrá leerse en las ediciones de la noche, lo dirán por la radio y se verá en la televisión, porque una vieja estrella está implicada; una gran estrella.»; y a continuación la cámara, que ha seguido a la caravana de coches oficiales, se introduce en la mansión en cuestión y se dirige a la piscina donde un cuerpo inerte flota: es el propio narrador. Es el comienzo más memorable del cine del Director Billy Wilder.

"Sunset Boulevar", como se titula el original en idioma inglés, es un retrato sombrío y fatalista de un mundo aparentemente lleno de glamour y supuestamente fascinante que se acerca al cine negro pero que en realidad no tiene clasificación posible, pues se puede ver, como un melodrama (la música de Franz Waxman tiene gran relevancia en este sentido) e incluso, como un film de terror.

Norma Desmond (Gloria Swanson) es una actriz madura ya retirada, que en la época del cine mudo triunfara de la mano de Cecil B. DeMille. Anclada en esos años pasados llenos de gloria, vive sola con su mayordomo Max (Erich von Stroheim), en realidad su primer marido y el director que la descubrió, ahora pendiente de su bienestar, manteniendo en ella la certeza de qué todavía es una estrella, aunque haya dejado de trabajar hace mucho y ya nadie la recuerde; en ese sentido pudiera ser un film realista, o un sueño, o un cuento, o tal vez una película.

Al final, disculpar que lo cuente porque estoy por recomendarla, Norma Desmond tras disparar a Joe Gills murmulla: «las estrellas no tienen edad»; el cine tampoco.

Esperando a Getz.

2010-07-24T22:03:00.000-07:00

El célebre Stan Getz encontró en el pianista Kenny Barron al perfecto acompañante, quien tocaría regularmente con su grupo los últimos años de su vida. Años de luchar contra el cáncer, sin desmayar ni pensar en el suicidio y cuando se le daba por terminado, justo en su 60 cumpleaños –como cuando cumplió 50- , brindaba uno de sus conciertos más memorables, en la llamada catedral europea del jazz, donde los cuatro músicos (+Rufus Reid, bajo y Victor Lewis, batería) están igual de finos, fantásticos.

Cuatro años más tarde y en el mismo lugar, Stan Getz y Kenny Barron harían un dúo que quedó registrado bajo el título de People Time. Este mítico concierto recoge los catorce temas que conforman la obra póstuma de Stan Getz que moriría de cáncer tres meses después.

Tal parece que el “Café Montmartre” de Copenhagen, siempre lo esperó.

Stefano

2010-07-22T21:02:00.000-07:00

El pianista italiano Stefano Bollani nació en la flemática (si se compara con, digamos,Palermo, punta norte de Sicilia)) ciudad de Milán en 1972. En su carrera incluye colaboraciones con algunos de los nombres conocidos del mundo jazz: Lee Konitz, Pat Metheny, Gato Barbieri, Paolo Fresu, Richard Galliano, Phil Woods y Enrico Rava. Bollani gusta de la música brasileña y tiene un trío con dos músicos de allá. El entendimiento entre los tres músicos es excepcional en el álbum "Carioca" grabado en 2008 y nos trasladan con su ritmo a unas tranquilas vacaciones en Rio.

¿Algo más?

2010-07-21T00:15:00.000-07:00

Hay pocas reediciones del primer lanzamiento en LP de vinyl - "Blue Note", 1958 - de este álbum. Sin duda el cañonazo de Adderley se brincó la barda. Adorable, accesible y balanceado, con Miles en su mejor forma haciéndole compañía y robándose prácticamente el show en esta subvalorada obra maestra. Los dos gigantes maravillosamente acompañados por dos Jones –Hank al piano, Sam al bajo- y Art Blakey a la batería.

En esta edición de Rudy Van Gelder -1990- se agrega como bono una pista descubierta por "Blue Note" e inicialmente liberada en Japón con el nombre de "Allison's Uncle”, debido a que el día en que fue grabada nació la hija de Nat Adderley, pero investigaciones posteriores revelaron que la misteriosa tonada era una composición de Hank grabada con el “Gigi Gryce/Donald Byrd Jazz Lab quintet” en 1957, bajo el nombre de “Rangoon”.

Creo que más no se puede pedir.

Las enseñanzas de Berna I.

2010-07-14T23:52:00.000-07:00

While attending my very first Yankees game, which also happened to be my first live baseball game ever, I was told that one of the team - Bernie - was an excellent guitar player and composer. I was intrigued to hear his music, so when I heard this CD I was blown away by his talent. Go Bernie, it's a home run! - Paul McCartney

Take note! If there's one lively Latin-flavored guitar jazz disc by an all-star center fielder you must listen to this year, make it this one. Don't do it however, just for the novelty of a .300 career-hitting New York Yankee legend making music for a hometown-based label, but because his hobby comes loaded with great melodic ideas and some buoyant, snappy playing. No doubt many critics will see this as a sports celebrity vanity project, and much will be made of all the top musicians who jumped into the fray (Béla Fleck, David Sancious, T-Bone Wolk, Luis Conte), but Williams truly holds his own. The opening track, "La Salsa en Mi," is feisty Latin jamming with an instantly catchy melody, and sets a lofty standard that some of the mellower tracks simply can't match. High-spirited exotic sessions like that and the percussion-intense "Desvelado" run rings around more conventional but still engaging light funk-jazz tracks like "The Way" and the lush ballad "Just Because," whose contribution by labelmate pianist David Benoit is surprisingly subtle. Those who like simple fingerstyling may most enjoy the interlude "Samba Novo," while pop fans may best enjoy the mainstream readings of "Dust in the Wind" and Billy Joel's plaintive "And So It Goes." The best evidence that Williams can funk out as well as he can do salsa ( remember, he's a native Puerto Rican ) is the turbocharged fusion jam "Stranded on the Bridge." In contemporary jazz circles, Wayman Tisdale* has made a successful move from basketball to bass (+). When Bernie Williams retires, more discs like this will ensure that he's more than a one-shot deal. ~ Jonathan Widran, AMG

Que divertido. Hace unos años, en un centro comercial por aquí cerca, tomando café en el acogedor “coffee shop” -llamado “Schubert”-, de una ya desaparecida tienda -El duende- que vendía de todo, mientras hojeaba – antes de decidir la compra- la nota introductoria de Octavio Paz a un libro - Las enseñanzas de don Juan-, ví de reojo en el “brookshield” al lado este compacto de la vieja estrella -center fielder- portorriqueña de los "Yankees" de Nueva York, Bernie Williams. Como el libro ya lo había leído, sin prólogo, mejor me decidí por él y aquí dejo unas canciones -para diversificar el canasto- y la recomendación de que en caso lo adquieran, lo lean acompañado de “The fire from within” de la misma saga autoral del mencionado, de repente les implosiona. ¡Es bueno, lo dice Paul, vamos¡. Disfrútenlo.

(+)Wayman falleció no hace mucho.

PD. Nos dejó Olga Guillot.

Tete

2010-07-13T01:04:00.000-07:00

Adelanto, con las vuvuselas aun zumbando en mis oídos, que esta entrada la publico con una indefinible sensación de atrevimiento, porque no conozco mucho -por lo que he venido notando estimo que apenas llego al prolegómeno- del Jazz en España, pero cada vez me sorprende más, el colorido, variedad y calidad de sus festivales y conciertos.

Mal haría al pretender algo más que un sencillo homenaje, al más internacional de sus exponentes, un sentimental aficionado a la música, nacido en Guatemala, cuyo cuerpo (y alma) estructurado en alguna medida por hierros arzentálicos, poco a poco le fue cogiendo el ritmo al Jazz, conociendo en el camino a su primer jazzman español.

Honra pues con su presencia, este blog, Vincent Montoliu (Barcelona, 1933-1997), con un extracto del primer volumen de la grabación de su legendario concierto en el auditorio Alfred Morse del campus de la Universidad de Boston.

"Hopes"

2010-07-05T19:33:00.000-07:00

En el mundo del Jazz conozco dos “Stan” famosos y dos “Hope” que no lo son para nada. Los últimos, Elmo, de quien hablaré otro día y Stan, de quien sólo se sabe que siendo un niño, en Atlantic City, ciudad de espectáculos, subió al techo del club donde tocaba Count Basie y orquesta (el famoso y entonces joven Lester Young, incluido), y qué, escuchándolos empezó a pensar en lo que quería hacer. Para acabar de definir su vocación, a los pocos días, su cumpleaños (quizás el décimo) fue celebrado oyendo grabaciones de Errol Garner tocando “Be Anything” y su original “Pastels”. Al finalizar la fiesta, recibió, asombrado su regalo: un piano, que al instante comenzó a tocar de oído y no paró los siguientes 10 años, hasta que se decidió a tomar lecciones para aprender a leer lo que tocaba. Desde entonces (allá por 1948) Mr. Hope compartió las tablas con muchos de los grandes habituales en los sitios de concierto del “ East Coast jazz “, entre muchos, Coleman Hawkins, Hank Mobley y Johnny Hartman. Y sigue tocando en los mejores lugares de Nueva York, incluyendo el Birdland, el Village Vanguard y el Blue Note. Los últimos 15 años ha ocupado la silla del piano para la vocalista Etta Jones y el tenor saxo Houston Person (buena gente, se sabe que ha apoyado bastante a Stan), grabando frecuentemente con ellos.

Bueno, también se sabe que ha entrado a su séptima década como pianista profesional, habiendo firmado sólo 2 álbumes, “Pastels” (1972), el primero y este “Put on a happy face” (2005). Qué otra cara se puede poner, me pregunto, escuchándolo con tan buena compañía en estas dos melodías, aunque sendos títulos no sugieran, por decir algo, un final feliz.

Kenny triste

2010-07-02T23:45:00.000-07:00

Casi famoso por subvalorado, Kenny Dorham (1924-1972) vivió, en efecto, a la sombra de grandes trompetistas como: Dizzy Gillespie, Fats Navarro, Miles Davis y Clifford Brown. No tan poderoso como ellos, Dorham fue, eso sí, un talentoso del instrumento y un buen compositor, que adicionó a la lista de las estándares del Jazz la inolvidable “Blue Bossa”, tocada por tantos, de los que dos son una muestra suficiente:

Rodeado por un excelente equipo rítmico: el pianista Tommy Flanagan, el bajista Paul Chambers y el baterista Art Taylor, Kenny grabó en 1959 “Quiet Kenny”, uno de los mejores de su corta carrera, conteniendo un conjunto de estándares y originales.

Los recuerdos de Watanabé

2010-06-25T23:00:00.000-07:00

Tokio Blues, Norwegian Wood (ノルウェイの森 Noruwei no Mori? (título original) es una novela del autor japónes Haruki Murakami que cuenta la historia de Toru Watanabé, un ejecutivo que aterrizando en un aeropuerto europeo, a sus 37 años escucha una versión instrumental de la canción de los Beatles "Norwegian Wood", y le vienen sentimientos de pérdida y nostalgia recordando el final de los sesenta, cuando pasaron tantas cosas que afectaron su vida de estudiante universitario marcado por el suicidio de Kizuki, su único amigo. (Es inevitable para el “Jazz cat” en que me estoy convirtiendo, la relación con el saxo alto japonés Sadao Watanabe).

El tema de la muerte de los seres queridos y la fugacidad de la vida, se despliega en los recuerdos de Watanabe (el otro) con una intensidad que contagia el estado anímico del lector (al menos el mío) . Recuerdos bien narrados del paso a la edad adulta, y a la madurez que se adquiere cuando uno se enfrenta de cerca con la muerte –ya sea de los padres, hermanos, la pareja, o amigos- , con la pérdida y la imposibilidad de permanecer. Murakami describe los eventos cotidianos –incluida la naturaleza- con una sensibilidad inusitada que los hace parecer excepcionales, pero además las travesuras juveniles del también picarón Watanabé (el mismo) con dos mujeres muy distintas: Naoko (novia de Kizuki), una chica bella y con una vida emocional agitada, y la sociable y animada Midori.

Todos los personajes son adolescentes fragilizados por experiencias dolorosas, que se encuentran al final de una etapa, el momento en que deben decidir qué clase de vida habrán de llevar en el futuro: vivir una vida normal, es decir, trabajar en una transnacional japonesa (o la burocracia), construir una familia y empeñar su vida en aras del ascenso empresarial o encarnar eternamente la figura del “outsider” protestante.

Con sencillez oriental, el autor me sugirió que no sólo es posible distraerse o resignarse al dolor de la existencia. Después de un largo periplo, a través de Toru, recorriendo el velo que oculta la intensidad del mundo, parece llegar a la conclusión de que : ni la verdad ni la sinceridad, ni la fuerza, ni el cariño son capaces de curar esta tristeza. Lo único que puede hacerse es atravesar ese dolor esperando aprender algo de él, y aunque todo lo que uno haya aprendido no le sirva de nada la próxima vez que la tristeza haga una visita de improvisto, ya sabrá uno a que atenerse; y como este héroe más o menos anónimo, aceptar el dolor como parte de la vida; optar por la vida con todo lo que contiene, incluidos el sufrimiento y la muerte.

Monsivais

2010-06-21T00:08:00.000-07:00

Aún fresca la noticia del fallecimiento del escritor portugués José Saramago (87 años), me entero que un día después fallece el escritor mejicano Carlos Monsivais (72 años). Ambos emparentados por la pluma, charco de por medio, la voz de Monsivais era menos política que cultural: un derroche de lúcida sensatez, pero sobre el México -y por extensión quizás Latinoamérica- de su tiempo y a través de la crónica como género.

Casualmente leí hace poco en Internet su ensayo sobre el comic, celebrando el trabajo artístico de su paisano Gabriel Vargas (fallecido el pasado 25 de mayo) en ese género, al que le atribuye haber sido durante medio siglo ( hasta los 1980’s cuando decayó su prestigio artísitico y cultural , y el fastidio y el empobrecimiento de las clases populares provocan la caída de las historietas en los puestos de periódico) modelo de la imaginación colectiva y ejercicio de alfabetización al que se acercan lectores de cualquier edad, el género familiar que, en un orden similar al del cine y la radio, influye en los niños (en sus ideas sobre la vida, el humor, la fantasía, las aventuras y el sentimentalismo), casi en la misma proporción que en los adultos.

Aunque el ensayo tiene unas 20 sabrosas páginas, creo que, básicamente trata de transmitir su descubrimiento en la obra de Vargas (principalmente en “La Familia Burrón), del papel del humor en la cultura popular como un almacén de semejanzas con la realidad (apodos, situaciones, cotideaneidad); una técnica para entender mejor los hechos opresivos y grotescos y un instrumento para diluir, de manera humilde y poderosa, algunas consecuencias de la pobreza endémica. En fin, aprendizaje y ejercicio de la caricatura verbal, como una de las cumbres de la conversación colectiva. El hallazgo del humor involuntario.

Monsivais escribió muchos libros, pero con frecuencia podían leerse sagaces artículos en los medios escritos. Un amigo me recuerda el publicado en Letra Internacional la primavera de 2005, “Elogio (innecesario) de los libros”, previo a la fiebre del libro electrónico y me dicta este fragmento:

“Gracias a la lectura, cada persona se multiplica a lo largo del día. El impulso del personaje de un relato, de una atmósfera literaria, de un poema, renueva y vigoriza las opiniones morales y políticas; vuelve por una hora en poeta o en narrador a quien complementa con la imaginación de lo leído; ayuda a situarse ante el horizonte científico o social; vigoriza el sentido idiomático”.

Se dice que “Monsy” es el intelectual más popular de su país, que con él muere también el México del siglo pasado y que sus grandes amores fueron los libros y los gatos que acompañaban sus noches. Vaya en su recuerdo esta canción del Jazz, un mundo que de haber nacido en Nueva Orleans no hubiera escapado a sus ironías.

Descansen en paz Carlos y José.

Stan y las pistas perdidas

2010-06-19T00:29:00.000-07:00

En realidad estas “sesiones perdidas”, nunca lo estuvieron. Las pistas incluidas se suponía iban a ser parte de la primera grabación del cuarteto de Stan en “A&M”, pero fueron engavetadas. Las cintas estaban en el baúl y en catálogos, no propiamente en el closet de algún otro. Lo interesante es que Getz, con todo y estar ya muy enfermo, todavía tenía lo suyo y la más comprensiva banda que alguna vez reuniera: Kenny Barron, piano; George Mraz, bajo y Victor Lewis, batería.

Producción de Herb Alpert, las “bossas” seleccionadas son duras e innovadoras tonadas de Jazz, compuestas en su mayor parte por Barron, muy lejanas al lado gentil desplegado por Stan en sus tempranas grabaciones con Charlie Bird y Jobim. Sin embargo, es en la clásica “Soul eyes” de Mal Waldron, donde, en el solo final, Stan –literalmente- se sienta a escuchar las finas cualidades de Barron. Mras muestra lo que vale y para ello vale como muestra, escuchar su asombroso solo en “Spiral”; y el subestimado Lewis perfectamente acoplado a las estrellas, también es parte de la magia de este excelente álbum.

Recital: Piano Jazz

2010-06-11T22:57:00.000-07:00

Retomo la serie de recitales en el Maybeck Hall, con el pianista Adam Matyszkowicz, nacido un 18 de agosto de 1940 en Cesky Tesin, Checoslovaquia.

Adam causó gran impresión la primera vez que llegó a EE.UU en 1977, su apellido se redujo a Makowicz y por su excelente técnica se le comparó con Art Tatum, lo cual no es una exageración si se le escucha en la melodía de su propia inspiración con la cual abrió el recital (#44) en 1992, mostrando de pasada, que su estilo ya estaba claramente definido desde sus días con el grupo de Jazz libre de Tomasz Stanko por los años 1960s en Europa. Acto seguido, Adam se concentró en 10 –cálidamente arropadas- canciones de Cole Porter, que también tocara en su día Tatum.

No obstante que Adam ha grabado sesiones con más variedad, su dominio total del piano fue particularmente bien desplegado en este memorable recital.

Los Santos Cansados

2010-06-10T18:59:00.000-07:00

“When the Saints are Marching In” se le atribuye al señor Black (1856-1938) y a la señora Purvis (+1909. letra); ambos asociados a la iglesia metodista episcopal de Williamsport, Pennsylvania. Escrita como un himno (Gospel) fue patentada en 1896 como “When the Saints go Marching In”. Es curioso que Louis Armstrong, quien había crecido sabiendo la tonada gospel, tocada sombríamente para los funerales por las bandas de marcha que acompañaban a los deudos al camposanto, la grabara en 1938 sin que, de acuerdo con los eruditos, tuviera nada que ver con las anteriores versiones. Fue un arreglo vívido, en el que él pretendía ser un pastor ofreciendo su sermón. Desde entonces, Louis la grabó unas 40 veces más, convirtiéndola en la estándar del Jazz que hoy día se conoce, estrechamente asociada a las bandas “Dixie” de Nueva Orleans.

Así de conocida se volvió la melodía, que popularmente se le llamó durante los 1940’s, “The Saints”. Y tan requerida que las bandas, cansadas de tocarla le impusieron un cargo extra a su ejecución. Un viejo rótulo en el New Orleans’ Preservation Hall advierte: “$1 for standard requests, $2 for unusual requests and $5 for the Saints”.

Con todo, en 1951 la canción tiene un resurgimiento con el grupo “The Weavers” y la orquesta de Leo Diamond y, faltaba más, también el rey y el jefe la cantaron:

Se funda el equipo de futbol Americano “Los Santos de Nueva Orlean” y una versión es cantada durante sus juegos:

We are trav’ling in the footsteps
Of those who’ve gone before,
And we’ll all be reunited,
On a new and sunlit shore,
Oh, when the saints go marching in
Oh, when the saints go marching in
Lord, how I want to be in that number
When the saints go marching in

De nuevo la canción cae en el olvido unas décadas para resurgir como emblema, luego del huracán "Katrina".

El acordeón y Antonioni

2010-06-05T16:58:00.000-07:00

No es la primera vez que me te nos pasa en los casi tres años de mantener este blog. Navegáis por los que habitualmente sigo te recuerdas de repente un tema que algún día en este breve lapsus rasguñé. Voy al historial nos localizo y reman costaneros sin brújula tu mar mio amarrado al post para ignorar la concertina que suena.

Qué diablos. Otra vez perdido entre la nube informe que todavía no existe. Buscando un bandoneón me encuentro en un cine/teatro en el que quizás nunca estuve y sólo te me lo nos contaron. Quien sabe.

Fin

Daños en Guatemala.

2010-05-31T13:37:00.000-07:00

Atendiendo la petición y preocupación del amigo T. Jones por la situación provocada en Guatemala los últimos días, por la erupción del volcán “Pacaya”, seguido por la tormenta tropical “Agatha”, presento a continuación un resumen con datos preliminares, tomado del matutino que recibo, sobre lo acontecido, que puede ser ampliado en http://www.prensa-online.com/periodicos-guatemala.html.

Daños personales : 93 fallecidos; 59 heridos y 53 desaparecidos.

Viviendas afectadas: 9,100

Puentes dañados : 13

Tierras cultivadas anegadas: sin cuantificar

Daños en las principales carreteras que han causado cierres temporales.

Deslizamiento de laderas y Hundimientos de tierra: Varios

Personas con ayuda: 111,964 evacuados; 29,245 albergados y 123 albergues habilitados.

Al medio día de hoy: 12:29) Datos preliminares reportan 93 fallecidos, 511 personas en riesgo, 537 evacuados y 502 albergados en Alta Verapaz . (12.08) Se reportan 17,420 personas damnificadas y 2,904 viviendas dañadas en Izabal. (12:06) Dos Helicópteros de la Fuerza Aérea Guatemalteca llegan a Izabal para apoyar tareas de rescate. (12:04) En Chimaltenango hay 5,760 personas damnificadas los mayores daños en infraestructura se reportan en la cabecera departamental, Tecpán, San Martín Jilotepeque, Patzún, Acatenango, San Pedro Yepocapa y San José Poaquil. (11:20) Derrumbes mantienen incomunicada la aldea Maczul en Totonicapán. (11:18) En Jutiapa se reportan 851 familias afectadas en 83 comunidades. (10:40) El Comedor Solidario de Chiquimula distribuirá hoy 6 mil platos de comida, para las 2 mil familias ubicadas en los albergues en Zacapa. (10:38) En Gualán hay 1,500 personas damnificadas, es el área más afectada.

De acuerdo con las autoridades el volcán está cerca de alcanzar los parámetros normales. Preocupa además de la atención a los damnificados, efectos colaterales en la salud y problemas en los drenajes. La tormenta ya se degradó y en este momento brilla de nuevo el sol. Lo que sigue es lluvia propia del invierno pero la Administración Nacional Oceánica y Atmosférica de Estados Unidos recién anunció que la temporada de huracanes que inicia mañana y termina en octubre puede ser una de las más intensas jamás registrada. Los especialistas prevén de 14 a 23 tormentas tropicales y de estas, de 8 a 14 podrían convertirse en huracanes.

Así que el desafío para atender los daños ocasionados y prevenir los futuros es enorme.

¡¡Toca de Nuevo Hank Jones¡¡

2010-05-22T21:53:00.000-07:00

(Fotografía tomada con permiso de su autora, mi amiga Esther Cidoncha, de su blog)

A principios de este mes, platicando sobre pianistas del Jazz con un amigo, recordamos cuando a principios de los 1990's fuimos a la realización que por cierre, se llevaba a cabo en un establecimiento de esta ciudad y adquirimos varios álbumes de la serie "Recitales de Maybeck Hall". Terminamos singularizando las virtudes del recién fallecido pianista Henry "Hank" Jones. Luego, pensé en "postear" algunos de estos recitales para compartir con los amigos de la "blogósfera". Y así, despues del introductorio, no dudé en sentar a Hank (lujos que uno se permite en los blogs) a uno de los pianos del recinto para abrir los recitales. Esto fue en mi penúltimo post, el 11 de mayo. Lejos estaba de saber que Hank, unos dias después, como los compositores y letristas de la década 1935-1945, a quienes tanto quería, Hank ya no estaría.

Vaya pues mi adios al admirado Hank, con este albúm de 1956 en el que lo escuché por primera vez allá por los años 1970's y me enganchó con esta versión de una de las clásicas de Charlie Parker, acompañado de Wendell Marshall (bajo) y de Kenny Clarke (batería), por esos días conocidos como "el trío del Savoy", presentando a sus invitados Herbie Mann (flauta) y Eddie Jones (bajo).

Y es qué, por varios años, este Trío no había dejado de aparecer en cada grabación de "Savoy Jazz" en la sección de ritmos, que culminó con ésta, a cargo de Rudy Van Gelder, que justamente abren con una de Rodgers y Hart.

En conjunto, un recuerdo impregnado del sabor melódico bop de Hank, como en una de sus originales, acompañado por las trompetas de Donald Bird y Matty Dice y la de Joe Wilder en la clásica de Hamilton Lewis y Chappel.

La Feria del Estado

2010-05-17T00:18:00.000-07:00

En 1945 los legendarios Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II fueron requeridos por la “20th Century-Fox” para hacer una versión musical de la novela “State Fair”, un éxito de ventas en 1932, escrito por Philip Stong que fue llevado a la pantalla en 1933 como una película no musical. Así, ambos escribieron seis canciones entre ellas la maravillosa “It might as well be spring”, cantada por el entonces famoso baladista Dick Haymes y doblada por Louann Hogan para la actriz Jeanne Crain. En su autobiografía “Musical Stages”, Rodgers cuenta que adecuaron la canción al humor de la joven pareja de hermanos que sólo buscaban salir de la rutina anual, como todos los granjeros del Estado de Iowa, y acompañar a sus progenitores en la búsqueda de un ansiado premio (para sus bocadillos, la madre y para un super pesado semental porcino de la raza “Hampshire”, negro con una franja blanca como bufanda, el padre). Un humor conocido como “fiebre de primavera”. “Como las ferias son en verano, hubo que resolver la canción con el verso “I’d say that I had Spring fever, But I know it isn’t Spring. Y con el título” -dice Rodgers. Felizmente, ambos tienen un romance en la feria y sus padres ganan los respectivos premios. La película fue un éxito y la melodía ganó el Oscar.

Uno podría decir "colorin colorado", pero la zorra “Fox” (cuando no), regresó por sus derechos, con un “remake” en 1962 para la feria de Texas. Hammerstein ya había muerto y Rodgers se las arreglaba para escribir su propia letra. Con un elenco expandido, cinco nuevas canciones (una pérdida de talento), la película fracasó.

Y “Pudiera ser también primavera”, sigue mereciendo el Oscar, con arreglos como estos:

Recital: Piano Jazz

2010-05-11T20:41:00.000-07:00

Fotografías: James Gudeman

"MH es único. Estuve maravillado por el sonido y la presencia. Es un salón pequeño y no obstante, consigues ese sonido de catedral. Sus propiedades acústicas son realmente fantásticas. Y el piano estaba en excelentes condiciones". Fueron las palabras del pianista de Jazz Henry "Hank" Jones, luego de finalizar su recital (el # 16) en el "Maybeck Hall" un 11 de noviembre de 1991. Sólo habría que agregar: estaba Hank, sentado al Yamaha S-400B, puesto a punto por el diligente afinador Fred Allen. Hasta entonces, Hank había sido figura central de la escena mundial por cerca de medio siglo.

Como muchos pianistas de aquellos días, fue impresionado fuertemente por Bud Powell, pero como otros provenientes de área de Detroit, Hank trascendió el idoma bop y se convirtió en un interprete ecléctico de todo lo que va desde baladas a prueba del tiempo al swing y estándares del bop. Hoy, a sus casi 92 años, sigue siendo esa figura central que conecta con el Jazz del pasado.

"No quiero sonar dogmático, pero en mi opinión las canciones grandiosas fueron escritas entre 1935 y 1945. La mayoria de los más finos compositores y letristas ya no estan.". dijo alguna vez Hank. Cinco de las melodías seleccionadas para esta ocasión, son de la década citada. Sin embargo, el primer corte resulta ser de más larga data. En 1924, Arthur Schwartz compuso una melodía a la que Lorenz Hart le puso letra y llamó "I love to lie awake in bed". Pero alguien tuvo segundos pensamientos y una nueva letra de Howard Dietz la convirtió en "I Guess I'll have to change my plan". "Me gusta porque se columpia ella misma", refiere Hank, brindando un ejemplo impecable y brilante de coordinación entre su mente y dedos. Y para ilustrar sobre el uso completo del teclado -reminiscencia de Gardner o Shearing- "The very thought of you" de Ray Noble.

Y como ejemplo del poder enganchador de sus baladas, la sensitiva "The night we called it a day" de Matt Dennis y "Memories of you" de Eubie Blake, producto de un show llamado "Blackbirds of the 1930".

De las piezas relativamente recientes brindadas en el recital, es interesante notar que tanto "Bluesette" de Toots Thielemans, como "A child is born" de su hermano Thad, tienen en común haberse establecido entre los valses preferidos de los artistas del Jazz.

Finalmente, no podía faltar un reto a la capacidad de interpretación de Hank.

Descanse en paz. Lena Horne

2010-05-10T02:11:00.000-07:00

Lena Horne, quien fue la primera actriz negra en firmar un contrato de largo término en Hollywood y luego adquirió fama internacional como cantante, murió la noche de ayer domingo a los 92 años. Su voz no era particularmente poderosa, pero emocionaba actuando y cantando estándares románticas como “The Man I Love” y “Moon River” que dominaban su repertorio. Su principal influencia no fué otra cantante, sino el pianista y compositor de la orquesta de Duke Ellington, Billy Strayhorn.

“No nací cantante” le confesó a David Hajdu, biógrafo de Billy -ocasionalmente su acompañante. “Tuve que aprender mucho y él me enseño lo básico de la música, porque yo no sabía nada”. Pavimentó el camino al cine de muchas actrices y actores negros.

Descanse en paz, Lena.

Recital: Piano Jazz

2010-05-09T22:20:00.001-07:00

El "Maybeck Recital Hall" también conocido como "Maybeck Studio for Performing Arts", está localizado dentro del "Kennedy- Nixon Center" en Berkeley, California. Fue construído en 1914 por Bernard Maybeck. Pueden sentarse hasta 50 personas y fue diseñado por comisión de la familia Nixon, patrona del arte local que quería un estudio para que viviera la profesora de piano de su hija Milda, la señora Alma Kennedy. Hay dos grandes pianos Yamaha: S400 uno y C7 el otro. Originalmente, Maybeck diseño el espacio para acomodar un Bechstein 1898-7 pies. En 1923, el lugar fue destruido por un incendio en las colinas al lado. Rápidamente, Maybeck lo reconstruyó.

Milda vivió en la residencia hasta su muerte en 1981 a la edad de 92 años. Su hijo adoptivo, Charles R. Fulweiler, Phd.,sostuvo la casa hasta 1987, cuando la vendió al pianista Dick Whittington, quíen la destinó a la producción de conciertos públicos en alianza con Concord Records. Entre 1989 y 1995, produjeron 42 de piano, cada uno con diferente artista del Jazz y las 42 grabaciones fueron fueron publicadas en una serie de discos compactos. Adicionalmente, en el mismo período se grabaron y publicaron 10 de duetos.

En 1996, la casa fue comprada por Gregory Moore. Los recitales ya no son conciertos públicos sino privados y solamente por invitación.

El primer recital correspondió a la magnífica pianista, compositora y educadora Joanne Brackeen - en 1969 la primera mujer en tocar con los Jazz Messengers de Art Blakey. No he podido adquirir el compacto respectivo, pero sin pretender copiar los programas de Nico en "La Quinta Disminuida", iremos presentando algunos extractos para aquellos que no puedan permitirse las invitaciones de Moore.

William Overton Smith

2010-05-06T20:44:00.000-07:00

Con cierta frecuencia escucho alguno de los 5 álbumes que poseo del pianista Dave Brubeck. Buscó un pretexto. Esta vez fue el excesivo calor húmedo que aquí acompaña los días previos a la estación lluviosa. Calor de verano, digamos,(algunos prefieren llamarlo falso invierno), que luego se alivia con la entrada plena de las copiosas lluvias. En este disco que hoy acompaña mis calores, grabado un verano de 1982 con ocasión del Festival Concord que patrocina la disquera del mismo nombre, el maestro da la bienvenida como miembro permanente de su "nuevo" cuarteto (junto con Criss Brubeck (bajo y trombón) y Randy Jones (batería) , al clarinetista Bill Smith, un antiguo miembro del octeto que lideró en los 1940's.

Y aunque el nombre de William quedó asociado al de Brubeck, es un músico y compositor de prodigioso talento. Entre sus primeros trabajos está el Concierto para clarinete y combo, grabado con Shelly Manne en su legendario “agujero”. M.A. en música del “Mills College” de Oakland, California , donde conoció a Dave, ganó una beca Guggenheim, se estableció en Roma y formó el “American Jazz Ensemble”.

Revueltas

2010-05-03T20:41:00.000-07:00

La rama musical iniciada por Silvestre, derivó en Jazz con Olivia (1952) y en fusión con su hijo:

Sin haber entrado al salón de la fama, con el compacto "Angel of scissors", apadrinadada por el señor de la batería, Billy Higgins, Olivia Revueltas llegó por los menos al "lobby" y a la lista de mis pendientes. Una grabación plena de clásicas del Jazz, como ésta, pero en este concierto del año pasado, acompañada por un baterista algo distraído:

Silencio

2010-05-01T21:22:00.000-07:00

Quizás “Silence” (Soul Note Records, 1987) no sea el álbum más importante del contrabajista Charlie Haden como líder, pero sí un trabajo bellamente logrado que deja el sabor que lleva a degustarlo varias veces más. Con acompañantes casi perfectos. Chet Baker en buena forma (a pesar de todo) en una de sus últimas grabaciones en estudio, Enrico Pieranunzi –el epítome del estilo al piano- y el señor Billy Higgins al fondo, simplificando con sus brochazos los tiempos más intrincados.